Spielberg on Spielberg: A.I. Inteligencia Artificial (Artificial Intelligence A.I., 2001)

"Creo que Stanley Kubrick reconoció que la única vez que nuestra sensibilidad se encontraba en vías paralelas fue con A.I. Él fue quien me dijo por primera vez: quiero leerte lo que tengo." 

En 1969, el escritor británico Brian Aldiss publicó un relato corto cuyo título era Super-Toys Last All Summer Long. Esta relato de ciencia ficción situaba al lector ante un futuro distópico en el que la superpoblación mundial estaba causando estragos y muy pocas familias recibían la autorización para poder engendrar hijos. No obstante, había aparecido una nueva gama de robots humanoides, equipados con inteligencia artificial, para tratar de paliar la carencia emocional en las familias. Este argumento rompió moldes en su época de publicación y acabó llamando la atención de uno de los cineastas más brillantes de la historia: Stanley Kubrick. El director norteamericano afincado en Inglaterra compró los derechos y llamó a Brian Aldiss para encargarle que escribiera un borrador de guión. Kubrick era conocido por su minuciosidad y decidió dejar el proyecto en el cajón de temas pendientes en cuanto vio que necesitaba más tiempo para desarrollarlo. Tenía otras películas en un estado más avanzado de preparación así que se dedicó a ellas.

A finales de los 70, le llamó la atención el trabajo de Steven Spielberg. Contactó con él y entablaron una relación de amistad a distancia (Kubrick nunca abandonaba el Reino Unido). Posteriormente, sí que coincidieron en Inglaterra cuando Spielberg le visitó durante el rodaje de El Resplandor (The Shining, 1980) en los estudios Elstree. Un año después, fue Kubrick el invitado en las instalaciones de Hertfordshire mientras se rodaban los interiores de En Busca del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981). Al responsable de 2001 le pareció fascinante el set que reproducía el Pozo de las Almas. Esa amistad se convirtió en una fuente constante de interminables tertulias sobre el arte cinematográfico y las innovaciones técnicas del sector. A través de esas charlas, Kubrick vislumbró que el proyecto al cual llamó A.I. Artificial Intelligence se encontraba muy cerca de la sensibilidad creativa de Spielberg. 

En 1985, Kubrick vio que se estaba encallando demasiado con A.I. a todos los niveles. Habló con su cuñado y colaborador habitual, Jan Harlan, y decidieron invitar a Spielberg para que se uniera a la producción. Warner Brothers se embarcó en la distribución del film pero el problema seguía estando en el desacuerdo de Kubrick respecto a las diferentes propuestas de guión que Brian Aldiss le fue presentando. La cuerda se rompió finalmente en 1989 cuando despidió a Aldiss y contrató a Bob Shaw, quien, tras seis semanas de trabajo, decidió dejarlo por el ritmo frenético de trabajo y reuniones que exigía el director. Un año después, entró en el proyecto otro escritor de ciencia ficción, Ian Watson. Su borrador definitivo, presentado en 1991, es el que pareció satisfacer más a Kubrick puesto que le encantó como Watson había recogido su sugerencia de convertir al androide David en una especie de Pinocho del futuro. No estuvo tan satisfecho Aldiss quien declaró estar especialmente enojado con el director por haberle sustituido por un hombre como Ian Watson, que pasaba por ser uno de sus más grandes rivales en el género de la ciencia-ficción.

No obstante, el problema derivaba hacia la puesta en escena y el desafío técnico que exigiría la película. Kubrick disponía ya de un storyboard detalladísimo y muy extenso pero estaba convencido que David debía ser un personaje creado por CGI y no veía que la tecnología estuviera suficientemente evolucionada para diseñarlo de forma convincente. El estreno de Jurassic Park (1993), sin embargo, le ofreció nuevas esperanzas y, por recomendación de Spielberg, decidió contactar con Dennis Muren y la gente de Industrial Light & Magic. Desgraciadamente, los ensayos de previsualización no fueron satisfactorios y el coste económico estaba por encima del presupuesto que manejaba. Decidió dar un golpe de timón y volvió a retrasar el rodaje para seguir trabajando en el libreto, con la incorporación de la novelista Sara Maitland, mientras dejaba el aspecto técnico en manos de profesionales británicos como Christopher Baker alias "Fangorn" en el diseño conceptual y Chris Cunningham para el apartado de efectos visuales.

Diseño de "Fangorn" para Rouge City. 

David y sus juguetes, entre ellos Teddy, según la visión de "Fangorn". 

En los años sucesivos, Cunningham presentó varios diseños de robots que resultaron un completo fiasco. Aunque no era partidario de utilizar un actor real para el personaje de David, los fracasos en el apartado técnico le forzaron a cambiar de idea y así fue como llamó a Joseph Mazzello para hacerle una serie de pruebas de cámara. Sin embargo, Kubrick no conseguía sacar el proyecto adelante y se veía superado por unas tecnologías que no se veía capaz de manejar. En 1995, se reunió con Spielberg y le ofreció el puesto de director puesto que estaba convencido que su amigo podía moverse con mayor familiaridad por este nuevo escenario de retos técnicos digitales. No obstante, Spielberg le dijo que A.I. era un proyecto muy personal y que debía llevar su firma cuando se estrenara. Ante tal situación, Kubrick decidió volver a aparcar el proyecto y centrar todas sus energías en la producción de Eyes Wide Shut.

Spielberg on Spielberg: Salvar al Soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998)

"Creo que cada país debería contar historias referentes a su propia historia. La verdad es que los británicos han hecho algunas de las grandes historias sobre la Segunda Guerra Mundial. Creo que somos responsables de decir todo lo que sabemos y lo que sabemos, en la medida de lo posible. Y así lo esperamos de cualquiera que tenga algo que contar."

Resulta paradójico que un proyecto de la envergadura de Salvar al Soldado Ryan pudiera nacer de un forma tan fortuita y que la implicación de Steven Spielberg llegara también desde cauces poco habituales. Viendo la repercusión y potencia de la película es curioso investigar sobre su producción y encontrarse con que la idea surgió de un guionista que había escrito libretos para películas más bien infantiles. 

El guionista en cuestión era Robert Rodat. La idea le sobrevino durante un viaje por el estado de Pennsylvania en 1994. Durante el trayecto, le llamó la atención un monumento a los caídos en la población de Port Carbon. El monolito estaba dedicado a cuatro hermanos que habían muerto en la Guerra Civil. Este hecho activó la inspiración de Rodat. Decidió cambiar su registro habitual para crear una historia parecida a la de los chicos de Port Carbon pero ambientada en la Segunda Guerra Mundial. En sus primeras investigaciones descubrió que hubo dos casos parecidos en el conflicto bélico en cuestión y siguió indagando para modular su propuesta. Una vez terminado el primer borrador, lo envió al productor Mark Gordon quien no se convenció de la calidad del material hasta la revisión número 11 por parte de Rodat. 

Gordon y su socio, Gary Levinsohn, compraron los derechos del libreto para su productora, Mutual Film Company. Pensaban en Tom Hanks como protagonista y decidieron enviarle el guión. Paralelamente, el agente de Steven Spielberg descubrió el script y se lo entregó sin demasiadas esperanzas ya que hacía mucho tiempo que el director obviaba las propuestas que le llegaban a través de la agencia de representación. Pero cuando empezó a leerlo, la premisa empezó a interesarle. Desde niño había desarrollado una gran afición por el cine bélico y, en concreto, por la Segunda Guerra Mundial. Ese interés nació con las historias que le explicaba su padre, Arnold Spielberg, sobre su periplo en el conflicto bélico. Arnold había servido en Birmania y la India como jefe de comunicaciones de un escuadrón de bombarderos B-25. Su destreza como ingeniero le había permitido perfeccionar las antenas de los aeroplanos y le había elevado a un puesto importante dentro de su regimiento. Además de lo que su padre le explicaba, el joven Steven también desarrolló su fascinación por la época a través de los objetos e indumentaria que Arnold se había traído consigo.

Arnold y Lea Spielberg junto a su hijo Steven.

A finales de los 50, con el "gérmen" del cine ya muy desarrollado, Spielberg dirigió una pequeña película bélica casera cuyo título era The Last Gunfight. Sus padres alentaron esta afición y pagaron de su bolsillo Escape to Nowhere. La familia se encontraba viviendo entonces en Phoenix (Arizona) y allí Spielberg movilizó a varios de sus compañeros de instituto para que participaran en un proyecto en el que incluso consiguió rodar con aviones militares abandonados, vistiendo a los chavales con trajes y cascos que su padre había traído de Birmania. Se obsesionó con esta temática y veía la guerra con inocencia, sin noción de realismo. En ese momento solo le fascinaban las escenas que podían crearse en este contexto militar. Posteriormente, siguió realizando películas amateurs derivando hacia la ciencia ficción, como fue el caso de Firelight (1964), pero no hay duda de que cuando se convirtió en director profesional el contexto histórico de los años 30 y 40 tiene una impronta muy destacable en su filmografía.

La posibilidad de realizar una película que homenajeara a los veteranos era algo que Spielberg tenía pendiente. Sin embargo, no quería hacer un film que reconstruyera una campaña militar completa. No deseaba una nueva película de crónica bélica sino que le interesaba más explicar una historia humana en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Cuando leyó el guión de Robert Rodat pareció encontrar una historia que le gustaría contar. Por otra parte, su enfoque iba a ser radicalmente realista. Estaba dispuesto a hacer un retrato descarnado del horror de la guerra. No estaría carente de épica aunque se iba a distanciar completamente de la visión glorificadora que impregnaba el cine bélico clásico.

Rodat empezó a trabajar en el guión tras ver el monumento de Port Carbon pero basó su trama ficticia en la historia de los hermanos Niland. Estos cuatro hermanos de Tonawanda (New York) sirvieron en la guerra. Tres de ellos murieron en combate y el cuarto fue localizado en Francia y enviado a casa por las autoridades militares. Cumplió el resto de su servicio en los Estados Unidos. Posteriormente, se descubrió que uno de los tres hermanos declarados muertos no había fallecido sino que se hallaba en un campo de prisioneros japonés en Birmania. Tras ser liberado en mayo de 1945, también regresó a casa. La muerte de otra saga de hermanos, los Sullivan, a bordo del barco militar Juno provocó que el Departamento de Guerra emitiera una orden por la cual los hermanos no podían servir juntos en un conflicto bélico.

Star Wars. Personajes: Qui-Gon Jinn

“Encontrarlo fue la voluntad de la Fuerza. No tengo ninguna duda acerca de ello.”

Qui-Gon Jinn siempre mantuvo una constante inquebrantable a lo largo de su existencia: la confianza férrea en la Fuerza Viva.

En los archivos del Templo Jedi nunca se hizo constar su procedencia. Solo se sabe que fue localizado y trasladado a Coruscant a muy corta edad. Siempre demostró unas grandísimas aptitudes tanto en el conocimiento de la Fuerza como en el combate. Todo ello se puso de manifiesto en un torneo que los Jedi organizaban entre sus más jóvenes miembros para que tuvieran la oportunidad de llamar la atención de los grandes maestros. Cuando se impuso a todos sus adversarios, el maestro Dooku decidió tomarlo bajo su mecenazgo.

Junto a Dooku participó en importantes misiones para la República. A su lado aprendió a concentrarse más para sentir y no pensar demasiado al hacer uso de la Fuerza. Cualquier elemento de la naturaleza podía ayudar al Caballero Jedi en su cometido y ese era un valor que no siempre se defendía en la Academia. Sin embargo, algo distanciaba a maestro y alumno: la absoluta compasión por todo tipo de vida que sentía Qui-Gon. Finalizado el aprendizaje, Dooku le advirtió que su extrema confianza algún día se giraría en su contra.

Convertido en Caballero Jedi de pleno derecho, Qui-Gon decidió no formar aprendices durante un tiempo. No obstante, le llamó la atención como la Fuerza fluía en un joven de Telos IV llamado Xanatos. A pesar de las reservas del Maestro Yoda, Qui-Gon inició un largo historial de desacuerdos con el Alto Consejo Jedi cuando decidió adiestrarle. Todo terminó precipitadamente cuando Xanatos cayó al Lado Oscuro y desafió a su maestro. Qui-Gon juró que no entrenaría a más aprendices durante el resto de su vida.

De regreso a las misiones en solitario, volvió a colaborar con Dooku en algunas negociaciones. Su antiguo Maestro volvió a insistir en su desconfianza hacia las decisiones del Consejo Jedi y censuró la actitud de ese órgano al recriminar a Qui-Gon el adiestramiento de Xanatos. Sin embargo, estas palabras no afectaron del todo a Jinn ya que él tenía claro que su camino era paralelo al del Consejo pero eso no implicaba un rumbo de confrontación. Seguiría respetando la institución y las decisiones de su Consejo rector aunque, en su devenir personal, aplicaría un código propio de conducta.

Unos diez años después del incidente con Xanatos, Yoda le instó a romper su juramento y entrenar a un nuevo padawan. En un torneo vislumbró grandes aptitudes por parte de un niño llamado Obi-Wan Kenobi. Pero se topó con la sorpresa de que el Consejo Jedi pensaba enviarle al cuerpo de agricultores pues no creían en su potencial. Ambos coincidieron en la nave que realizaba el trayecto hasta Bandomeer. Y quiso el destino que la nave recibiera un duro ataque por parte de piratas espaciales. Qui-Gon lideró la defensa y contó con la inestimable ayuda de Kenobi que se hizo con los mandos de la nave realizando un aterrizaje de emergencia que salvó las vidas de gran parte de los ocupantes. La demostración de coraje y entereza de Kenobi le sirvió para que el Consejo Jedi autorizara su adiestramiento como padawan.

Bajo la tutela de Qui-Gon, Obi-Wan Kenobi completó un gran entrenamiento en el que pudo conocer todas las vertientes de la Fuerza mientras perfeccionaba sus dotes de concentración y destreza. Ambos formaron una unidad sólida que fue referencia absoluta en misiones para garantizar la paz y la seguridad en la galaxia.

Pero el punto de inflexión llegó cuando se enfrentaron a su encargo más peligroso: negociar con la Federación de Comercio el fin del bloqueo a Naboo. Obi-Wan sintió, desde el primer momento, una presencia elusiva que parecía controlar los acontecimientos. No podía estar más acertado pero esa era la percepción de un joven todavía inexperto. Los Jedi consolidados se habían auto-investido de tanta notoriedad y confianza que ya no eran capaces de vislumbrar la conspiración que se alzaba ante sus narices.

Tras escapar a una trampa mortal y salvar la vida de la reina Padme Amidala, se vieron obligados a buscar piezas mecánicas para poder reparar el transporte en el que habían escapado del Naboo invadido. Resultó ser Tatooine el planeta más cercano y la llegada al árido sector cambió los acontecimientos de futuro. Qui-Gon detectó la presencia de un gran afloramiento en la Fuerza Viva, personificado en Anakin Skywalker, un esclavo de nueve años que sobrevivía, junto a su madre, trabajando en el taller mecánico del toydarian Watto.

Qui-Gon intuyó que podría encontrarse ante el “elegido”, una figura mesiánica de gran poder que traería el equilibrio a la Fuerza. El recuento de midiclorianos en sangre fue consistente con este diagnóstico ya que los niveles que mostraba Anakin solo eran igualados por Yoda. Probablemente, el niño había sido concebido por los propios midiclorianos ya que nunca hubo padre. A pesar de las dificultades intrínsecas a la misión y de tener que enfrentarse a Darth Maul, un Sith de inigualable destreza en el combate, Qui-Gon consiguió sacar a Anakin del mundo de Tatooine y llevarlo a Coruscant donde sería evaluado por el Consejo Jedi.

Separado de su madre y en un ambiente nuevo y opuesto a lo que conocía, la reacción de Anakin no fue la esperada por el Consejo. Sus habilidades eran extraordinarias pero su futuro parecía muy inestable e inquietaba a los notables Jedi. La extremada urgencia de los acontecimientos aparcó la decisión sobre el joven Skywalker y encendió una vez más a Qui-Gon que no podía entender el rechazo inicial ante unas dotes tan prometedoras.

De regreso a Naboo para tratar de recuperar el control perdido a manos de la Federación, Qui-Gon, Obi-Wan y Padme hurdieron un plan que, en colaboración con el ejército gungano, podía darles la victoria en la batalla. Pero Darth Maul esperaba a los Jedi en el hangar de Theed y la confrontación entre ellos significó un punto de ruptura a todos los niveles. Qui-Gon era magnífico en combate pero su plenitud física quedaba ya lejana mientras que la inexperiencia de Kenobi era una debiblidad a pesar de disponer de una agilidad y reflejos extraordinarios. Maul, aunque en inferioridad numérica, superaba en habilidad a uno de ellos y en experiencia al otro. Cuando los Jedi se vieron separados por campos de energía, el Sith aprovechó la oportunidad para asestar una estocada mortal a Qui-Gon. Kenobi, ungido por la rabia, se enfrentó a Maul en cuanto los campos de energía cedieron y estuvo al borde de la muerte pero pudo recuperarse para segar la vida del Sith.

En sus últimos instantes de vida, Qui-Gon hizo prometer a su otrora aprendiz que adiestraría a Anakin porque seguía estando convencido de que el niño traería el equilibrio a la Fuerza.

La profecía existía desde hacía varios milenios y en el caso de Anakin era correcta desde cierto punto de vista. El niño tenía inseguridad y miedo dentro de él. No podía distanciarse de las emociones ni de los apegos. Eso se traducía en ira, desconfianza y rabia descontrolada. Todas ellas eran cualidades que Darth Sidious explotó para atraerle al Lado Oscuro. Así que, de alguna manera, Anakin vino a traer equilibrio apoyando la consolidación del Lado Oscuro en la galaxia. Un destino completamente diferente del que visualizaba Qui-Gon. 

En el Episodio III se nos quiso trasladar la idea de que Qui-Gon Jinn fue el primer Jedi capaz de trascender a la muerte como espíritu guía. Desde el averno de los tiempos, instruyó a Obi-Wan, durante su exilio en Tatooine, para que pudiera abrazar ese poder. También hizo lo propio con Yoda en Dagobah. Sin duda alguna, esta es una explicación polémica pero consistente con lo que vimos después. Aún así, nadie nos explicó por qué, de ser así, Qui-Gon no estuvo presente, de forma celestial, en la celebración final de Endor.

Liam Neeson interpretó con gran brillantez a Qui-Gon en La Amenaza Fantasma. George Lucas le eligió porque deseaba un actor de gran presencia y trayectoria, capaz de inspirar al resto del reparto. Sin duda alguna, acertó con su contratación aunque otra cosa fue el guión que tenía preparado para él.

Star Wars. Manual de Supervivencia es un proyecto de LASDAOALPLAY? y El cine de Hollywood.

Star Wars. Personajes: Mace Windu

“Creo que ha llegado el momento de informar al Senado que nuestra habilidad para usar la Fuerza ha disminuido.”

En la galería de los Jedis más renombrados, Mace Windu ocupa un lugar destacado. La suya fue una vida enteramente dedicada a preservar los valores fundamentales de la Orden. Su devoción y fe incorruptible en el sistema le granjearon el mayor de los respetos dentro del Templo Jedi llegando a ser uno de los más destacados miembros de su órgano decisorio: el Alto Consejo. 

Windu también es conocido por haber sido uno de los mejores guardianes de la paz por su maestría en el uso de la espada láser y el gran conocimiento de la Fuerza del que siempre hacía gala. Concretamente, tenía la capacidad de ver puntos de ruptura en la Fuerza, lo que se traducía en la posibilidad de ver partes del futuro cercano y vulnerabilidades de sus oponentes. Sin embargo, Mace Windu representa también el fracaso de la Orden durante los últimos años de la República. El ascenso imparable del Senador Palpatine y sus planes ocultos para dominar la galaxia, ocultando su naturaleza Sith, no pudieron ser detectados por los miembros del Consejo Jedi hasta que fue demasiado tarde. Sidious utilizó su profundo conocimiento del Lado Oscuro para nublar la percepción de los Jedi a los que prácticamente utilizó como quiso sin que éstos no pudieran preveer nada. De alguna manera, toda la supremacía y omnipotencia que había caracterizado a la Orden se precipitó al vacío por el propio exceso de confianza y el sentido de infalibilidad. De alguna manera, lo ocurrido fue un castigo a su prepotencia.

Mace Windu, Yoda, y Ki-Adi Mundi, siendo los líderes del Consejo Jedi, reaccionaron siempre a posteriori de los acontecimientos. Una y otra vez eran sobrepasados mientras el nuevo Canciller seguía con su hoja de ruta manteniendo un halo Oscuro que le protegía y que desviaba constantemente la atención de los taciturnos Jedi.

Pero vayamos primero a sus inicios. Mace Windu nació en el planeta del Borde Medio llamado Haruun Kal. Su llegada a la vida representó una sacudida en la Fuerza que fue percibida por los Jedi, con total nitidez, cuando solo contaba seis meses de edad. Habiendo fallecido sus padres, el niño fue entregado inmediatamente a los Jedi. Windu creció en el Templo Jedi y se entrenó bajo las órdenes de varios maestros aunque el venerable Yoda fue su principal referencia.

Siendo niño ya fue consciente de su capacidad para ver los puntos de ruptura en la Fuerza pero los retos que se le presentaban en el entrenamiento no le motivaban lo suficiente para mejorar en el combate y construir su propio sable láser. Preocupados por esta situación, el Consejo jedi decidió enviarle a una misión de supervivencia en el remoto planeta Hurikane, situado más allá del Borde Exterior. Allí, Windu tuvo que enfrentarse a unos feroces nativos a los que pudo dominar con el poder de la Fuerza. Incluso jugó a ser Dios puesto que desmembró a uno de ellos con el poder de la Fuerza y después fue capaz de recomponerle. Los salvajes vieron en él a un elegido que debía ser venerado. Agradecidos, le entregaron un mineral púrpura que Windu utilizó en su primer sable láser. 

Durante los años siguientes, Mace Windu pasó las pruebas definitivas. Investido como Caballero Jedi, recibió todo tipo de misiones a lo largo y ancho de la galaxia. Siempre demostró destreza y conocimiento resolviendo conflictos y levantamientos contra la República. Con el tiempo, tomó a una joven Jedi como padawan. Se trataba de Depa Billaba, una mujer Chalacta que también llegó a convertirse en integrante del Alto Consejo Jedi.

Windu manifestaba una fe incorruptible en el sistema y dejó pronto los caminos de la Fuerza Viva, que abogaba por un mayor retorno a las esencias de la Orden. Nunca fue un contestatario y siempre siguió al pie de la letra los dictados del pensamiento mayoritario. Por todo ello, a la joven edad de 28 años, fue elegido miembro del Alto Consejo Jedi.

Sin embargo, Mace Windu no se limitó a observar y analizar. Siguió realizando misiones de negociación. Su audacia y destreza permitió que siempre saliera airoso de esos retos aunque entró en conflicto con otros Jedi como Qui-Gon Jinn, que en ocasiones revelaba sus reservas sobre las decisiones del Alto Consejo Jedi. No obstante, había lazos de amistad entre ellos. Cuando un joven Obi-Wan Kenobi parecía no poder superar el reto de la Acdemia Jedi, Windu decidió apartarlo a pesar de que el mismísimo Yoda mantenía confianza en sus aptitudes. Un tiempo después, vio lo que el adolescente era capaz de hacer y le dejó en manos de Qui-Gon Jinn para que éste completara su entrenamiento.

Unos años más tarde, estuvo presente en las pruebas que el Alto Consejo Jedi realizó a un niño llamado Anakin Skywalker. Qui-Gon le había traído ante ellos defendiendo la idea de que Anakin podría ser aquél que trajera el equilibrio de la Fuerza. El Consejo juzgó confuso el futuro del niño, apreciaron pautas potencialmente peligrosas. Pero tras la muerte de Qui-Gon, acabaron aceptando que el compromiso que éste había adquirido quedara ahora en manos del que hasta ahora había sido su aprendiz: Obi-Wan Kenobi.

Mace Windu llegó a apreciar a Anakin reconociendo su enorme talento y potencial. Sin embargo, su resistencia a la autoridad y el progresivo acercamiento al Canciller Supremo suscitaba escepticismo. Habiendo caído prisioneros del Conde Dooku en Geonosis, Windu encabezó una partida de Jedis que puso fin a la orgía de sacrificios preparada por los insectoides nativos. Windu vio caer a muchos de sus compañeros pero se llevó a Jango Fett por delante. Con la llegada del maestro Yoda y los primeros regimientos de soldados clon, Windu debió ir por Dooku pero el fragor de la batalla lo impidió. Acabaron siendo Obi-Wan y Anakin los que acudieron a interceptarle y el resultado pudo haber sido mucho peor de no ser por la intervención final de Yoda.

Con el inicio de las Guerras Clon, Windu se convirtió en General del nuevo ejército de la República y continuó cosechando importantes victorias. Quizá la más renombrada se produjo en Dantooine donde fue capaz de acabar con varios batallones de la Confederación usando solamente la Fuerza.

Tres años después de su inicio, las Guerras Clon tocaban a su fin. Sin embargo, se tenía noticia de que un Lord Oscuro del Sith estaba manipulando al Senado. Las sospechas pocas veces recaían en el mismísimo Canciller Supremo. No obstante, Yoda y Windu dudaban de él porque se negaba a devolver los poderes de emergencia que el Senado le había concedido por tiempo limitado. Con todo, el poder del Lado Oscuro seguía nublando la percepción de los Jedi. Estos habrían podido descubrir el complot mucho antes de no ser por el supremo conocimiento de la Fuerza que caracterizaba al Canciller Palpatine.

Cuando Anakin, con pleno conocimiento de causa, reveló a Windu que Palpatine era el Lord Sith, Mace fue a su encuentro para arrestarle. Acompañado por Kit Fisto, Seasee Tiin y Agen Kolar, se dirigió a las oficinas del Canciller y ordenó a Anakin que le esperara en el Templo.

En el despacho del Canciller, éste les esperaba sabiendo que llegaba un punto de ruptura. Windu le acusó de conspiración y anunció que debería responder ante los tribunales por traición al Senado y a la República. Palpatine pronunció la frase: “Yo soy el Senado”. Acto seguido, se lanzó contra los Jedi utilizando su sable láser. Eliminó rápidamente a Kolar y Tiin mientras que Fisto cayó poco después. La lucha se libró entre dos grandes combatientes pero, a pesar de disponer de tanto poder, Palpatine acabó siendo acorralado por Windu. En ese momento, apareció Anakin Skywalker quien, seducido por el hecho de creer que Palpatine podría salvar la vida de Padme, imploró a Windu que no terminara con la vida del Canciller. Mace sabía que, en los tribunales, las habilidades de Palpatine para la manipulación le permitirían escapar a cualquier castigo. Ante la vileza del Lord Sith, la única opción era matarle auqnue no fuera el estilo Jedi. El ahora desatado Sidious lanzó rayos Sith a Windu con la intención de derribarle pero éste pudo contenerlos con el sable láser y derivarlos hacia el villano causando la deformación de su cara. Estando Sidious ya muy débil, Windu se disponía a dar el golpe de gracia cuando Anakin decidió tomar partido por el lado oscuro y cortó la mano derecha de Windu en plena maniobra de ataque. Sidious aprovechó entonces la situación para atacar con sus rayos de energía oscura a un Windu indefenso. Éste se precipitó varios kilómetros hasta fallecer en la jungla urbana de Coruscant.

Mace Windu, al igual que toda la Orden Jedi, se percató del peligro demasiado tarde. El Lado Oscuro había obtenido su primer triunfo en milenios y la purga de los Jedi fue su materialización final. Su fuego se extinguió del universo aunque no desaparecería por completo. Algun día, el futuro Emperador recibiría su justo castigo.

Samuel L. Jackson hizo campaña para conseguir un papel en Star Wars desde que se anunció la pre-producción de las precuelas. Ávido fan de la saga, se puso en contacto con George Lucas y pidió de forma constante un rol en las películas. Lucas decidió premiar su insistencia con un papel que empezaría siendo reducido pero iría aumentando progresivamente hasta llegar a ser uno de los personajes principales. Antes del rodaje de La Venganza de los Sith, Jackson habló con Lucas y le dijo que era consciente de la muerte de Mace Windu pero no deseaba que su desaparición fuera sencilla o poco trascendente. Lucas le tranquilizó respondiéndole que moriría como un héroe y así fue como se vio en pantalla.

Star Wars. Manual de Supervivencia es un proyecto de LASDAOALPLAY? y El cine de Hollywood.

Sam Mendes reflexiona sobre Spectre tras concluir el rodaje

Tras 128 días de filmación repartidos a lo largo de siete meses, Sam Mendes puso fin al rodaje de Spectre el pasado 5 de julio. Inmerso ya en la fase de montaje y post-producción con vistas al estreno de la película a finales de octubre, Mendes realizó una entrevista en la BBC Radio donde valora lo que ha supuesto este exigente film y anuncia que esta ha sido su última incursión en la saga Bond. Dijo lo mismo después de finalizar Skyfall y se acabó embarcando en Spectre por la fuerza del nuevo argumento y la influencia ejercida por Daniel Craig. En el contexto cinematográfico actual es difícil poder contar con el mismo director en más de dos entregas de cualquier franquicia. Si además, el realizador en cuestión es Sam Mendes, considerado uno de los directores de cine y teatro más brillantes del panorama actual, es más que lógica la decisión de finalizar esta etapa teniendo en cuenta que el trabajo en las dos películas le ha llevado cinco años y ha impedido que pudiera dedicarse a la dirección teatral de varios proyectos de la escena londinense.

Al mismo tiempo, Mendes augura un nuevo film de la saga que puede volver a romper barreras de brillantez en la franquicia. Actualmente, en las salas de montaje de Pinewood Studios, Mendes y el montador Lee Smith están dando unidad a la película mientras la extensa partitura compuesta por Thomas Newman empieza a integrarse en el metraje. Pronto sabremos qué cantante interpretará el tema principal.

"[SPECTRE] is a bigger movie than 'Skyfall'. When we were up for a BAFTA last time I counted the cast and crew as I wanted to accept it on behalf of everybody. I counted them up myself and there was over a thousand and you really do feel it. [SPECTRE] is shot in more places. We were in Mexico City, Tangiers, the Northern Sahara, Rome, The Alps, and London. We shut down great sections of London. Anyone whose evening was ruined because of the traffic around Westminster Bridge over the last few weeks, I apologise to them. But it's been an enormous undertaking. One of the most rewarding moments for a film director is when you finally finish shooting."

"It kind of starts all over again when you're editing. You really direct the movie four times: when it's being written, when it's being cast and prepped, when it's being shot and then when it's being edited and music is being added. That fourth stage is just beginning. If you're any good as a director you want to be all over every department and you want to be influencing everything. It's your film and your vision. Unlike the theatre, where I learnt a lot of my craft, I don't think theatre is a director's medium, whereas film is. You can pretty much blame the director if you're having a bad evening at the cinema because it does fall on his shoulders."

"I made the movie I wanted to see [for Skyfall] and I think I've done the same thing this time [for SPECTRE]. I hope I've done the same thing this time, although it really is just emerging out of the mists - the way that it does in the editing period. In terms of the story, it's pretty much set out. But as any director will tell you, how you tell the story is everything and the story by itself is not enough. I spend a long, long period with the music for the movie and there will be over 100 minutes of music for this movie. That's a lot of music. There is a lot of visual effects and a lot of sound work. There are any number of ways to mess your film up, even at this late stage, however good the story is. You have to stay completely focused and it is somewhat like rebooting and starting again at this stage. For me, editing is the most pleasurable piece as you've done all the hard work and it's down to the story-telling."

"For me, the Bond franchise as a whole has been a wonderful unexpected gift at this point in my life. it's not just the making of the film, it's the relationship you have with an audience and the dialog you have with the process from the beginning to the end. You have to embrace the fact that everything you do is going to be reviewed and debated from the title to the music to the casting to the trailer... "

"I'm happiest rehearsing a play or editing a movie, and I think that when I've finished a movie I generally want to be back in a theatre environment again. It feels like home, it feels controllable after the chaos of a movie set. But it won't be long before I want to do another film, and I'm very, very fortunate to be able to go back and forth between the two."

"I said 'No' to the last one and then ended up doing it and was pilloried by all my friends, including [former England cricket captain] Michael Atherton who took great pleasure in reminding me that I said no to the last one and ended up doing it. But I do think this is probably it. I think five years for the two movies... It feels now almost, even though we've only just finished shooting it, like one big experience. It was a fantastic life-changing thing, but I don't think I could go down that road again. It's more a lifestyle choice than a job. You do have to put everything else on hold."

Star Wars. Naves: El Halcón Milenario. Por Francesc Marí

«¿Una nave rápida? ¿No habéis oído hablar del Halcón Milenario?»

¿Teníamos que haber oído hablar? Os preguntaréis todos los advenedizos al Universo Star Wars… ¡Pues sí! Deberíais. Entre otras cosas, es la nave que hizo la carrera Kessel en menos de 12 parasegundos.

Dime qué nave te gustaría pilotar y te diré de que franquicia eres seguidor. Sin duda alguna, cuando se habla de sagas espaciales, tengan la relevancia que tengan, siempre existe una nave que se convierte en el vehículo predilecto de sus fans. Y, en el caso de los seguidores de Star Wars, la nave que todos quisieran poseer es el Halcón Milenario. Sin embargo, eso sería demasiado difícil, ya que su propietario, Han Solo, probablemente nos enviaría a su copiloto, el temible wookie Chewbacca para que nos arrancara los brazos si intentábamos hacernos con su nave.

Bromas a parte, a pesar de que en Una nueva esperanza conozcamos el Halcón Milenario en manos de Han Solo y su peculiar copiloto, la historia de esta nave, cuyo nombre ha cambiado con los años, empezó mucho antes de lo que nos imaginamos… Bueno, viendo el estado en que está la nave tampoco cuesta tanto de imaginar.

El Halcón Milenario fue construido en sesenta años de la Batalla de Yavin, por la Corporación Corelliana de Ingeniería, siguiendo el modelo del carguero ligero YT-1300f, y desde un principio ya mostró sus características velocidad y poca fiabilidad.

«No tendrá buen aspecto pero los resultados sí son buenos. Yo mismo he aplicado una serie de modificaciones. Puede superar en cinco puntos la velocidad de la luz».

Antes de que Solo pudiera llegar a saber las peculiaridades de su nave, pasó por media docena de manos, y todos hicieron sus respectivas modificaciones, hasta que esta nave ya tenía muy poco en común con el modelo original. Incluso llegó a formar parte de la Batalla de Coruscant, siendo usada por el Senado y los Jedi, pudiéndola ver aterrizar en el edificio del Senado, poco después de que Anakin y Obi-Wan rescate al canciller Imperial. Tras un accidente que provocó graves daños, pasó casi un año en un depósito de chatarra, donde fue comprada por un técnico llamado Bammy Decree y Rej Taunt, que lo repararon y modificaron desde el núcleo al casco con piezas de un viejo carguero ligero YT-1300p, dándole el aspecto que ahora conocemos.

Después de ser objeto de diversas apuestas llegó a las manos de Lando Calrissian que lo utilizó para el contrabando, sin embargo, durante el Torneo de Sabacc de la Ciudad Nube, el pícaro Han Solo se la arrebató a Calrissian. Sin saberlo en aquel momento, el Halcón Milenario había ido a parar al que sería su dueño durante más tiempo.

Además de ser una nave rápida, estaba bien armada. Poseía un cañón láser escondido y dos más montados en la parte dorsal y ventral de la nave, montados por Calrissian para substituir los blásters montados en las mandíbulas de proa. Por su parte, Han Solo modificó las armas con todo tipo de mejoras que incrementaron su rendimiento consiguiendo que fueran capaces de destruir un caza TIE de un solo difunto.

Bajo el mando de Han Solo, el Halcón Milenario se convirtió en un excelente nave contrabandista, aunque unos problemillas con Jabba el Hutt y su encontronazo con un chico, un tipo estrafalario y dos androides, lo llevaron de lleno a formar parte de la Flota Rebelde. Primero escapó de la primera Estrella de la Muerte, para después atacarla junto a los cazas rebeldes; después fue perseguido por media Galaxia desde Hoth hasta Bespin; y, por último, en esta ocasión capitaneada de nuevo por Lando Calrissian, encabezó el ataque a la segunda Estrella de la Muerte. Y, a pesar de que constantemente estaba fallando, salió indemne de todas estas batallas para seguir combatiendo, porque, estando a las puertas del estreno del Episodio VII, es más que sabido que la destartalada nave de Han Solo y Chewbacca regresará a la gran pantalla por la puerta grande, demostrando que casi con cien años, decenas de propietarios, centenares de modificaciones y un sinfín de aventuras, sigue estando en plena forma. 

Star Wars. Manual de Supervivencia es un proyecto de LASDAOALPLAY? y El cine de Hollywood.

SDCC 2015: Batman v Superman: Dawn of Justice (panel e impresionante trailer)

Warner Brothers tomó el escenario del Hall H en la jornada del sábado en la Comic-Con. Y acaparó la atención con Batman v Superman: Dawn of Justice. Ausente Marvel Studios de esta edición, la mayor expectación, desde el punto de vista de la ficción superheroica, se centró en el choque de los dos grandes iconos de DC Comics.

Estuvieron presentes el director Zack Snyder, Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Gal Gadot, Holly Hunter y Jeremy Irons.

Para Zack Snyder dirigir este proyecto ha supuesto un sueño hecho realidad y la forma como se ha materializado todo, con un reparto tan potente, sobrepasa muchísimo las expectativas que él mismo tenía puestas al inicio. Confirmó que la influencia del clásico de Frank Miller, The Dark Knight Returns, está presente en algunos elementos que, de alguna manera, suponen un homenaje a la gran obra de Miller. El argumento es completamente nuevo y presenta una dinámica entre personajes que no se ha visto hasta ahora en el cine de superhéroes. La reescritura del guión a cargo de Chris Terrio es lo que ha conseguido que el material haya ganado en relevancia y Zack Snyder confía en que el público sintonice con ello cuando el film se estrene en marzo de 2016.

Además, confirmó que se han tomado ciertas licencias que respetando el canon de DC Comics ofrecen nuevas perspectivas a la audiencia. Por ejemplo, habló de la idea de situar a Metropolis y Gotham como ciudades casi limítrofes, al estilo de Oakland y San Francisco o Minneapolis y Saint Paul. Eso ofrece un escenario muy interesante que incluso determina una apuesta por la caracterización social y amplía el contraste entre los dos superhéroes:

“There’s this interesting idea of Metropolis being this successful, wealthy city and Gotham being where downtrodden people live. Gotham people take the ferry to Metropolis, and there’s this idea of wealth and power, power engenders fear, which made it feel real and smart.” 

La situación de conflicto inicial se beneficia de este contexto social pues vemos como Wayne Enterprises también está presente en Metropolis y Bruce Wayne realiza negocios constantes en la ciudad. Cuando el enfrentamiento entre Superman y Zod en Metropolis pone patas arriba la ciudad, la desgracia se ceba en la torre Wayne pues es completamente derruida causando la muerte de todos sus empleados. Bruce Wayne asiste consternado al hecho y se decide a controlar los movimientos de ese hombre omnipotente que ha causado un daño directo a su gente.

El traje mecánico que exhibe Batman en su confrontación con Superman es una erreferencia directa a The Dark Knight Returns pero Snyder complementó la explicación afirmando que no solo amplía su fuerza sino que más bien está concebido para protegerle y hacerle ganar tiempo en su enfrentamiento con el kryptoniano.

Jeremy Irons alabó la interpretación de Michael Caine en las películas de Christopher Nolan aunque afirmó que su Alfred es algo diferente. Él es quien pondrá más empeño en mostrarle a Bruce que Kal-El no es su enemigo. Jesse Eisenberg valoró mucho la aportación de Chris Terrio al dotar a cada personaje de un verdadero trasfondo emocional.

Gal Gadot remarcó que interpretar a Wonder Woman le ha permitido explorar la dimensión de una mujer poderosa y bella que, al mismo tiempo, está rebosante de inteligencia emocional y sofisticación. Su llegada a Metropolis, en un momento de ruptura, supondrá un contrapunto dramático que sentará las bases del futuro en el universo cinematográfico de Warner-DC. 

Amy Adams, por su parte, confesó que era fan de Lois Lane desde los cinco años y que ha disfrutado ampliando la caracterización de esta intrépida y brillante reportera. 

Ben Affleck confirmó que no se mostró dispuesto a interpretar a Batman cuando recibió la llamada de Snyder. Creía que después de la fantástica recreación de Christian Bale, cualquiera que viniera detrás tendría un reto insuperable. Pero cuando empezó a hablar con Zack Snyder éste le convenció al hablarle del Batman que se iba a ver en pantalla. Estaríamos ante un experimentado luchador contra el crimen, de unos cuarenta años, y con mucha trayectoria a sus espaldas habiendo librado innumerables batallas en las que habría vencido a casi todos sus enemigos. De alguna manera, veríamos a un Bruce Wayne con profundas heridas emocionales por lo transcurrido (muerte de Jason Todd y seguramente también del Comisario Gordon) y que ya ha abandonado la capucha negra. Pero la aparición de Superman vuelve a movilizarlo y va a poner todos sus recursos en liza para detener esta "presunta" amenaza. Affleck también confirmó que está considerando dirigir y protagonizar una película sobre Batman y que ha aprendido mucho de Zack Snyder a la hora de dirigir un proyecto de esta envergadura.

Zack Snyder afirmó lo siguiente:

“It’s cool for me because it’s really a dream come true type of project. I’ve always been into the big icon superheroes. Geting a chance to make this particular movie with this particular cast, I don’t know how it gets better than that. It’s a pleasure and an honor to be working with this group."

La presentación de un nuevo y extenso trailer muestra una película apabullante y muy poderosa. Muchos de los escépticos empiezan a reconocer la precipitación en sus valoraciones. Se nos presenta un film épico, lleno de grandes momentos, que esperemos confirme esos grandes valores en su estreno. Lo que podemos ver en el avance solo es una pequeñísima muestra de lo que nos tienen preparado. El hype está altísimo.

A continuación el panel de la convención. En él podemos ver también a algunos de los integrantes de otro proyecto paralelo del universo cinematográfico DC: Suicide Squad. Atención porque esta película puede romper también el escepticismo inicial.

Star Wars: The Force Awakens (El Despertar de la Fuerza) en la San Diego Comic Con

Star Wars: The Force Awakens ha supuesto un momento culminante en la San Diego Comic Con 2015. Aunque ya se advirtió que no habría nuevo trailer, sus responsables han ofrecido un vídeo behind the scenes que eleva la expectación hasta niveles insospechados. Queda claro una vez más que se ha rodado la película con una gran cantidad de sets reales y con efectos especiales mecánicos y prostéticos. Por supuesto que también hay mucha creación digital pero los escenarios creados a través de CGI ya no son tan importantes como lo fueron en las precuelas de George Lucas. Se ha apostado por localizaciones exteriores, vestuario, maquillaje, cables de sujeción, explosiones reales y movimientos de cámara sobre sets reales. Y eso, ya de entrada, es algo muy positivo.

En el panel estuvieron presentes JJ Abrams, Kathleen Kennedy, Lawrence Kasdan y los actores principales: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Domhnall Gleeson, Adam Driver y Gwendoline Christie, que hizo pleno tras la presentación de Game of Thrones. Fantástico ver a Harrison Ford en forma después de su accidente aéreo, ocurrido hace unos meses.

El vídeo presentado también confirma un secreto a voces: la presencia de Simon Pegg en la película realizando un cameo en el set de Abu Dhabi.

A continuación, el panel completo:

SDCC 2015: Presentación y videos de Juego de Tronos (Game of Thrones)

La serie que en esta última temporada ha batido nuevos récords de audiencia para la HBO nunca falta a su cita anual con la San Diego Comic Con. Su poder de influencia y movilización es brutal y el Hall H volvió a abarrotarse con la presencia de importantes miembros del equipo y reparto.

Cuando faltan pocos días para que se inicie el rodaje de la sexta temporada, que tendrá múltiples localizaciones de rodaje en la Península Ibérica, el evento generó mucha expectación aunque no hubo novedades sobre la nueva temporada más allá de pequeños comentarios por parte de aquellos actores que yan recibido los guiones.

Estuvieron presentes Alfie Allen (Theon), Gwendoline Christie (Brienne), John Bradley (Samwell Tarly), Liam Cunningham (Davos Seaworth), Carice Van Houten (Melissandre), Natalie Dormer (Margaery Tyrell), Conleth Hill (Varys), Sophie Turner (Sansa Stark), Maisie Williams (Arya Stark), y Hanna Murray (Gilly). Los showrunners David Benioff y DB Weiss no pudieron estar presentes por el extenso trabajo de pre-producción que está requiriendo la nueva temporada pero sí que se desplazó la productora Carolyn Strauss y el director de los dos últimos capítulos, David Nutter.

Maisie Williams explicó que se está entrenando para cambiar su estilo de lucha con espada tras las circunstancias que la afectan en el último capítulo. Sophie Turner, inmersa aún en el rodaje de X-Men Apocalypse, subrayó que Sansa dispone de una mayor fuerza en los últimos tiempos para hacer frente a las dificultades, su evolución ha sido patente en este aspecto. Y, por todo ello, ha podido hacer frente con entereza a los abusos de Ramsay Bolton. En cuanto a su futuro, tras lo ocurrido en el final de temporada, Sophie Turner espera que su personaje pueda iniciar un camino que le permita encontrar a sus hermanos Bran y Rickon.

Gwendoline Christie, por su parte, se refirió a la particular relación de amistad que une a su personaje con Jamie Lannister:

"I found it interesting when I read the books about the basis of that relationship. You have this very unique and unconventional woman [coming to have a] begrudging respect [for Jaime and he with her]. It's intense and close and doesn't have a root in sexuality. Just a very powerful, modern representation of relationships."

A diferencia de otros años en que se presentaba un vídeo con los nuevos actores que se incorporaban a la serie, este año HBO ha decidido hacer un cambio y ofreció al público dos curiosas piezas. La primera es una muestra de pequeños fragmentos pertenecientes a las pruebas de cámara de varios de los intérpretes. En cuanto a la segunda, se trata de un compendio de referencias sobre la serie en varios programas y series de la televisión americana.

Y finalmente el panel completo:

SDCC 2015: The Walking Dead

El San Diego Convention Center arde con las nuevas presentaciones de la Comic Con 2015. Ayer fue el turno de un clásico de la convención: The Walking Dead.

Ante un Hall H abarrotado, comparecieron Andrew Lincoln (Rick Grimes), Norman Reedus (Daryl Dixon), Steven Yeun (Glenn Rhee), Danai Gurira (Michonne), Melissa McBride (Carol Peletier), Chandler Riggs (Carl Grimes), Sonequa Martin-Green (Sasha), Michael Cudlitz (Abraham Ford) y Lennie James (Morgan Jones). También estuvieron presentes el showrunner, Scott Gimple, y los productores Gale Anne Hurd, Greg Nicotero y David Alpert.

Scott Gimple reveló uno de los principios argumentales de la nueva temporada: Rick va a ser puesto a prueba, de forma definitiva, por varios miembros de la comunidad de Alexandría entorno a sus expeditivos métodos. Y el reencuentro con Morgan no va a ser precisamente conciliador puesto que su ex-compañero de supervivencia será el primero en oponerse a su forma de proceder. Pero los zombies no tardarán en llegar al pueblo y sus defensas no serán suficientes para contenerlos. También tendrán gran importancia los nuevos villanos de la función, el grupo sádico y macabro autodenominado "The Wolves". 

Se comentó bastante el hecho de la "barba perdida" de Rick. Andrew Lincoln confesó que la añoraba y Scott Gimple afirmó que la barba es un medidor del estado psicológico de Rick. Y continuará siendo un barómetro de todo ello en esta nueva temporada que se estrena el 11 de octubre. Además, Gimple anunció que habrá muchísimos flashbacks esta nueva temporada y que incluso habrá un capítulo entero estructurado entorno a ellos.

También se anunció que la actriz Merrit Wever ha sido contratada para dar vida a un personaje presente en los cómics. ¿Quién creéis que podrá ser?

A continuación el primer trailer de la nueva temporada y el panel de la convención:

Star Wars. Personajes: Leia Organa. Por Francesc Marí

«La fuerza es muy intensa en mi familia. Mi padre la tiene. Yo la tengo. Mi hermana la tiene… Sí, eres tú Leia».

Con estas palabritas Luke le suelta a Leia que es su hermana, como quién no quiere la cosa. Al fin y al cabo, según ella, siempre lo había sospechado de alguna manera u otra… ¿En serio? Creces toda la vida creyendo ser la hija de un importante político y noble garante de la paz y la libertad como Bail Organa, y cuando el friki del pueblo —porque, admitámoslo, Luke ese tipo que no puede salir de noche porque su tío no le deja, y se distrae jugando con cosas tan esotéricas como la Fuerza— te suelta que eres su hermano y que tu padre es uno de los tíos más malos de la galaxias, ¿vas y te lo crees? Eso no se lo cree nadie. Yo creo que cuando Leia le responde: «Lo sé. De alguna manera siempre lo supe», en realidad quiere sacárselo de encima.

Vale, puede que haya sido un poco duro con Leia y el trasfondo de su personaje, pero siempre me he preguntado como alguien, por muy estrecha que sea su relación con la Fuerza, puede creerse eso a pies juntillas, sin prueba alguna, solamente porque un Skywalker lo ha sentido en la Fuerza.

La verdad sea dicha, esta escena, en mitad de El retorno del Jedi, siempre ha sido una de las pocas que me han planteado dudas. Cuando Leia habla de su madre ¿habla de Padmé o de Behra Organa? En 1983, lo lógico era creer que se trataba de su madre biológica. Sin embargo, en 2005, tras el estreno de La venganza de los Sith y con un fondo argumental mucho más amplio, descubrimos que es imposible, a no ser que Leia recuerde el momento de su nacimiento… Algo que ni la Fuerza puede lograr.

Bueno, volviendo a lo que nos interesa… Leia Organa. Poco hay que decir respecto a este personaje, algo muy similar a lo que sucede con su hermano Luke y la madre de ambos, Padmé. ¿Por qué digo esto? Entre otros motivos, porque solo viendo las películas, podemos descubrir las partes más importantes de su vida. Poco después de nacer, al quedarse huérfana, Leia es adoptada por la antigua familia Organa de Alderaan, donde creció como una hija natural de alta cuna. Durante su juventud en seguida sintió la misma aversió por el Imperio que su padre adoptivo —ese hombre que desde el ascenso de Palpatine al poder, había dudado y sospechado de la mayoría de sus actos—, por lo que, con el tiempo, heredó el lugar de este en el Senado. Justo entonces, aprovechando su inmunidad diplomática, empezaría a actuar como agente doble, siendo senadora del mismo Imperio que intentaba derrotar ayudando a la Alianza Rebelde.

Es en este punto, justo cuando la conocemos en Una nueva esperanza, convirtiéndose en uno de los tres personajes protagonistas, con Han Solo —con el que acabara casándose— y su hermano.

Podría extenderme hablando de lo que sucede en las historias del Universo Expandido, pero, sinceramente, creo que estando a las puertas del estreno del Episodio VII, lo mejor será dejar abierto el final de la historia de Leia…

Bueno, vale. Contaré algo más. Pero seré breve y poco concreto. Como no podía ser de otro modo, siendo una de las líderes de la Rebelión, que había participado activamente en la destrucción de las dos Estrellas de la Muerte y el derrocamiento de Palpatine —sin olvidarnos del hecho de ser una de las protagonistas de la historia de Lucas—, Leia se convirtió en una de las políticas más activas en la fundación de la Nueva República Galáctica. Durante esta etapa, además de ser madre de tres hijos cuya vinculación a la Fuerza era muy intensa —como debe ser en un Skywalker—, también fue nombrada jefe de estado de la República y se convirtió en una importante caballero de la Nueva Orden Jedi bajo el tutelaje de su hermano. Con esto supongo que ya os podéis hacer una idea de que relevancia tiene Leia, ¿no?

Como podemos ver, el personaje interpretado por Carrie Fisher, a pesar de que al principio del Episodio IV se nos presenta como la típica princesa en apuros —a pesar de las ingeniosas réplicas a Vader y Tarkin—, en seguida comprobamos que, si bien Han y Luke van a salvarla como si lo fuera, en realidad tarde o temprano hubiera encontrado los recursos para salir del apuro… Pero bueno, ¿a quién no le gustaría que el guaperas de Han Solo lo salvara? ¡Incluso me peinaría con las míticas «ensaimadas capilares» de Leia para que me salvara a mí! 

Star Wars. Manual de Supervivencia es un proyecto de LASDAOALPLAY? y El cine de Hollywood.

Spielberg on Spielberg: Amistad (1997)

"De verdad pensaba que podría soportar cualquier imagen que pusiese en la pantalla, incluso imágenes históricas, pero a veces resulta difícil mirarlas y especialmente cuando las interpretan en vivo delante de tí." 

Tal como hablamos en el anterior capítulo, DreamWorks iba a empezar su andadura presentándose en la comunidad de Hollywood como el primer nuevo estudio que aparecía en décadas. La filosofía no iba a ser competir directamente con las majors consolidadas sino presentar una nueva alternativa de producción y distribución que colaboraría con el resto de estudios de forma bastante asidua. Jeffrey Katzenberg se iba a encargar de la división de animación mientras que Spielberg era la garantía de estabilidad y calidad en los años venideros. La historia de DreamWorks es un relato de altos y bajos. Las películas de Spielberg han funcionado muy bien pero su labor no es suficiente para mantener todo un estudio. La división de animación tuvo una eclosión inicial pero después se estancó. Por consiguiente, a lo largo de los años, DreamWorks ha tenido que forjar joint ventures con Paramount y Reliance Entertainment. En 2009, firmó un acuerdo de co-distribución, no exclusivo, con Walt Disney Pictures a través del sello Touchstone.

La primera película que llevó el sello DreamWorks fue el thriller El Pacificador (The Peacemaker, 1997). La cinta fue dirigida por Mimi Leder y al frente del reparto estaban George Clooney y Nicole Kidman. Pero el lanzamiento definitivo del estudio se produciría con el primer proyecto de Spielberg para su nueva casa. Inicialmente, Salvar al Soldado Ryan (Saving Private Ryan) iba a ser el elegido pero, a lo largo de 1996, Spielberg realizó cambios en su agenda.

Mientras preparaba The Lost World, la actriz, coreógrafa y directora Debbie Allen visitó su oficina con un guión que llevaba tiempo intentando hacer realidad. Se trataba de una historia real: la rebelión acaecida en el barco esclavista español "La Amistad" durante el verano de 1839. Spielberg no conocía la historia y leyó el guión que venía firmado por David Franzoni, un escritor que había tenido trabajos ocasionales para el cine y que, al parecer, se había basado en relatos documentados previos para escribir el borrador.

El argumento y calado de la premisa interesó a Spielberg pero consideraba que el guión debía trabajarse más. Se comprometió con Debbie Allen para dirigir y producir el proyecto pero lo programó a largo plazo mientras encargaba la reescritura a Steven Zaillian.

No obstante, cuando se encontraba a punto de empezar el rodaje de The Lost World, le llegó el borrador de Zaillian. No esperaba que fuera tan rápido pero conociendo la brillantez que distinguía a su colaborador en La Lista de Schindler, tampoco se extrañó demasiado. Cuando lo leyó quedó entusiasmado con el resultado y decidió hacer cambios en su schedule. Finalizaría el rodaje de El Mundo Perdido en diciembre de 1996 y se mantendría en la post-producción durante pocas semanas porque estaba dispuesto a aprovechar parte de la primera mitad del año en la filmación de Amistad. Estaba previsto que el rodaje de Salvar al Soldado Ryan se desarrollara durante el verano de 1997 así que le quedaba un hueco que podía utilizar. Muy pocos directores tienen el poder y la influencia para realizar estos movimientos y poder rodar tres películas en poco más de un año. De alguna manera, tras el descanso que se había concedido, Spielberg estaba pletórico de energía y quería sentir, aunque fuera por poco tiempo, el ritmo de trabajo que caracterizaba al Hollywood clásico, donde los directores llegaban a rodar un promedio de dos y tres films por año.

Cuando el rodaje de The Lost World estaba ya muy avanzado y los decorados estaban totalmente construidos, encargó al responsable de los mismos, Rick Carter, que empezara a trabajar en el diseño de producción de Amistad. Paralelamente, dio instrucciones a su equipo de localizaciones para que buscaran enclaves donde rodar los exteriores. Pocos meses después, envió a otro equipo a Irlanda, Francia e Inglaterra para que localizaran exteriores de Salvar al Soldado Ryan mientras Tom Sanders (Braveheart) asumía el diseño de producción en el film bélico.

Amistad era un proyecto ilusionante que hablaba de derechos inalienables como la libertad y la justicia. Su fuerte contenido dramático devolvía a Spielberg al terreno de la máxima exigencia y eso es lo que más quería en ese momento de su carrera. En 1839, un grupo de nativos de la tribu mende en Sierra Leona, fueron apresados ilegalmente y vendidos como esclavos para las plantaciones del Caribe. Entre ellos se encontraba Sengbe Pieh, un hombre con fuertes convicciones que estaba punto de vivir un auténtico calvario. Junto a más de cien cautivos, vivieron hacinados en las bodegas del barco negrero portugués Tecora mientras cruzaban el Atlántico. Las pérdidas humanas en ese viaje fueron elevadísimas. Al llegar a la Cuba española fue vendido, junto a 48 personas más, a los mercaderes José Ruiz y Pedro Montez, de la goleta La Amistad. El 27 de junio zarparon de La Habana en dirección a otro puerto cubano en la provincia de Puerto Príncipe. Allí, venderían a los africanos como mano de obra para las plantaciones de azúcar que poblaban la isla.

Pero la noche del 2 de julio, Sengbe consiguió zafarse de los grilletes y encabezó una rebelión que consiguió tomar el control de la nave matando al capitán, Ramón Ferrer, y al cocinero de la goleta. Ruiz y Montez fueron hechos prisioneros y les ordenaron poner rumbo a Africa occidental. Pero los españoles aprovecharon sus conocimientos de navegación para engañar a Sengbe y a los suyos y dirigir la nave en dirección opuesta a la marcada, buscando que algún otro navío español les interceptase. Pero nada de eso ocurrió. La goleta fue dando tumbos hacia el norte durante dos meses y acabó llamando la atención de la guardia costera estadounidense en el litoral de Long Island.

Sengbe Pieh (1814-1879).

Ante la situación que presentaba el navío y las reclamaciones de los españoles, las autoridades estadounidenses condujeron a los africanos a una prisión de New London (Connecticut) donde, con el paso de los días, pudo llegar asistencia legal e intérpretes gracias a la intervención del empresario abolicionista Lewis Tappan. Cuando Sengbe (ahora conocido por el nombre de Joseph Cinqué) y sus compañeros pudieron explicar su historia, los cargos de motín y asesinato quedaron por debajo de una captura y extracción ilegal. La versión que defendían Ruiz y Montez, quienes sostenían que los nativos habían nacido esclavos y eran de su propiedad, se fue diluyendo en un país que contaba con tribunales independientes y que había abolido el tráfico de esclavos hacía más de treinta años. Tras demostrarse que se trataba de personas libres que no habían nacido en plantaciones, los tribunales ordinarios les absolvieron. El ideal de libertad y justicia se imponía a la reclamación de propiedad que reclamaban varias partes, entre ellas el mismísimo reino de España.

No obstante, la historia no acabó tan pronto. El Presidente de los Estados Unidos, Martin Van Buren, ante el temor de comprometer las relaciones internacionales y también debido a la presión de los estados del sur donde la esclavitud era una institución intocable, decidió amparar un recurso ante el Tribunal Supremo para que se volviera a juzgar el caso. Fue entonces cuando la defensa que hasta el momento había llevado el abogado Roger Baldwin, se vio reforzada con la entrada en escena del ex-Presidente y ahora congresista, John Quincy Adams. El veterano hombre de estado era hijo de uno de los padres fundadores de los Estados Unidos, el Presidente John Adams, y llevaba tiempo distinguiéndose por su simpatía hacia la causa abolicionista. En su alegato ante los magistrados del Tribunal Supremo enarboló el derecho inalienable de libertad y recuperó las esencias consagradas en la Declaración de Independencia y la Constitución para reivindicar los derechos humanos básicos. Criticó contundentemente a la administración Van Buren por estar invadiendo el terreno del poder judicial tratando de lograr una sentencia que no soliviantara al Gobierno de España y aportó como prueba la correspondencia cruzada entre el Secretario de Estado, John Forsyth, y las autoridades de la corona española.

Martin Van Buren (1782-1862) fue Presidente de los Estados Unidos entre 1837 y 1841.

El contexto general era difícil. Aunque los Estados Unidos se habían fundado sobre los ideales de libertad y justicia, los estados del sur habían mantenido la esclavitud como institución, continuando con un legado que habían instaurado los colonizadores británicos, españoles y franceses en los siglos anteriores. La decisión sobre el caso de La Amistad podía encender los ánimos en la mitad del país y así se pronunciaron importantes figuras políticas del sur como el ex-vicepresidente John C. Calhoun. Sin embargo, empezaban a haber muchas voces en el norte que abogaban por romper esa tregua tácita. Debía abordarse un debate en profundidad sobre la indecencia que suponía la esclavitud. John Quincy Adams era una de esas voces respetadas y algunos incluso llegaban a decir que el temor a una posible guerra civil no podía seguir frenando la discusión.

El Tribunal Supremo se pronunció en la línea de las sentencias anteriores. Los amotinados de La Amistad fueron absueltos y pudieron regresar a su tierra. La película incide más de la cuenta en la repercusión interna que tuvo la decisión judicial. En realidad, la polémica se acabó pronto y pasaron veinte años más hasta que la llegada a la Presidencia de Abraham Lincoln supuso el punto de ruptura definitivo. Sin embargo, el caso de Cinqué y los suyos sí tuvo un efecto muy importante para la causa abolicionista en los Estados Unidos. El movimiento de liberación se hizo más fuerte y en los años siguientes se organizó mejor para denunciar las atrocidades que se seguían cometiendo en el sur. Solo les faltaba un líder político que, desde la Casa Blanca, luchara por ello con toda su fuerza. El momento llegó con las elecciones presidenciales de 1860.

John Quincy Adams (1767-1848) fue Presidente de los Estados Unidos entre 1825 y 1829.

Regresando al caso, Cinqué y el resto de africanos se embarcaron en 1842 con destino a Sierra Leona. Pero lo que allí encontraron fue un territorio sumido en la guerra civil. La esposa e hijos de Cinqué habían desaparecido. Probablemente habían corrido el mismo destino que él mismo unos años antes. Poco se sabe de él en los años posteriores, incluso algunas fuentes no suficientemente documentadas le vinculaban al tráfico de esclavos. Tras un paso por Jamaica regresó, ya anciano, a Sierra Leona donde falleció en 1879.

Esta potente historia de crueldad, injusticia y necedad conmovió a Steven Spielberg y le hizo pensar en el hiriente relato de la esclavitud en el continente americano. Decidido a afrontar el proyecto justo después de The Lost World, inició una pre-producción breve en la que se nutrió del trabajo exhaustivo que habían realizado Rick Carter en el diseño de producción y Ruth E. Carter en el vestuario, basándose en el asesoramiento histórico por parte de expertos.

Spielberg trabajó bastante más el apartado de casting. La responsable del área, Victoria Thomas, debía buscar a actores con raíces africanas para dar vida a los sublevados de La Amistad. Encontrar a un gran Cinqué era tarea difícil pero la responsable de casting impresionó a Spielberg con la propuesta de Djimon Hounsou. Nacido en Benín, emigró a Francia, junto a su hermano, cuando contaba trece años. Poco después, dejó la escuela y fue un sin techo durante algún tiempo. El encuentro fortuito con un fotógrafo cambió su vida ya que éste le propuso iniciar carrera como modelo y le introdujo en el mundo de la moda de París. Convertido ya en un hombre de éxito se trasladó a los Estados Unidos donde intervino en videoclips musicales y debutó como actor en películas de baja repercusión y en pequeños papeles en series de televisión. Tras disponer de un rol secundario en Stargate (1994), su perfil pasó a las bases de datos de las agencias de casting más influyentes.

"No podíamos hacer esta película sin un gran Cinqué. Debia ser alguien fuerte físicamente pero también disponer de una gran capacidad para expresar sentimientos dramáticos. Era un reto difícil pero cuando Victoria Thomas me presentó a Djimon quedé impresionado. Hicimos una prueba y ví en él la fuerza que necesitábamos y también la dignidad y la ira que debía mostrar. Su voz profunda impresionaba. Era un auténtico líder." 

Con Djimon Hounsou a bordo, Spielberg se dedicó a configurar un reparto principal que correspondiera a la épica del relato que estaba dispuesto a contar. El papel del abogado Roger Baldwin había sido rejuvenecido en el guión con respecto al personaje real. Y para darle vida, el director contrató al mejor intérprete de la nueva generación: Matthew McConaughey. Recién salido del set de Contact, el tejano se incorporó al plató de Amistad en lo que fue una buena época de papeles para él.

Spielberg quería contar con el gran Morgan Freeman en esta película. En principio iba a interpretar a James Covey, el intérprete de mende, pero acabaron viendo que sería mejor el del empresario abolicionista Theodore Joadson, un antiguo esclavo de Georgia que consiguió escapar al norte y, con el tiempo, había escalado posiciones socialmente hasta convertirse en un respetado hombre de negocios. Este papel fue creado expresamente para la película pues no existió en la realidad. En cuanto al personaje de Covey, Victoria Thomas también consiguió un auténtico hallazgo puesto que se fijó en el británico Chiwetel Ejiofor. El prometedor actor debutó en el cine con Amistad y posteriormente ha ido avanzando en su carrera hasta convetirse en un intérprete muy solicitado.

Para dar vida al ex-Presidente John Quincy Adams, Spielberg obtuvo el sí de uno de los mejores actores del panorama cinematográfico: Sir Anthony Hopkins. Poco después de haber interpretado a Richard Nixon se le presentaba la oportunidad de encarnar a otro Presidente aunque en esta ocasión mucho más desconocido para el gran público. Como no podía ser de otra forma, la interpretación de Hopkins resultó brillante. En la secuencia donde presenta el caso ante el Tribunal Supremo fue capaz de recordar las siete páginas de su texto sin necesitar corte alguno. Hizo las diferentes tomas de cámara a la primera. Spielberg quedó tan impresionado que no pudo llamarle Tony a partir de ese momento. Lo único que le salía era Sir Anthony.

En cuanto al presidente Martin Van Buren, Spielberg pudo contar con otro actor británico de postín: Nigel Hawthorne. Aunque su presencia en pantalla es limitada, resulta muy creible dando vida a un líder con pies de barro, permanentemente amenazado por la sombra de la secesión y la Guerra Civil. Aunque la película comete el error de mostrarlo haciendo campaña electoral a bordo de un tren, algo que en esa época aún no se realizaba, cumple en cuanto a la caracterización de la figura histórica y a sus juegos de equilibrios para contentar a los vecinos del sur. Unas maniobras que, dicho sea de paso, fueron habituales entre los Presidentes americanos hasta la ruptura que supuso Lincoln.

El guión incluía casi setenta personajes con diálogo. Ante esta enorme suma de intervenciones, el director necesitó un reparto amplio de grandes secundarios que mantuvieran el nivel interpretativo de los cabezas de cartel. Así encontramos a Stellan Skarsgard como Lewis Tappan, Jeremy Northam, David Paymer, Peter Firth, Allan Rich, Xander Berkeley, Austin Pendleton y Ralph Brown, entre otros. Además, Spielberg volvió a contar con dos actores que había tenido a sus órdenes en The Lost World: Pete Postlethwaite dio vida al Fiscal William Holabird y Arliss Howard interpretó a John C. Calhoun en una trascendental secuencia que muestra la debilidad de Van Buren ante la causa sureña.

En el bando español, la película cuenta con varios intérpretes latinoamericanos:  Pedro Armendáriz Jr. como el General Baldomero Espartero, Tomás Milián dando vida al Embajador Ángel Calderón de la Barca, Geno Silva como José Ruiz y John Ortiz en el papel de Pedro Montes. El español Imanol Arias debía ser quien interpretara al Embajador Calderón pero un retraso en la concesión del permiso de trabajo en Estados Unidos impidió su participación. El breve papel de la joven y caprichosa Reina Isabel II de España fue interpretado por la canadiense Anna Paquin, ganadora del Oscar por El Piano (The Piano, 1993).

La película empezó a rodarse el 18 de febrero de 1997. Las localizaciones exteriores corresponden a varios lugares de Nueva Inglaterra: el puerto de Mystic (Connecticut), Providence (Rhode Island) donde se rodaron los exteriores del supuesto Capitolio de Washington D.C., y Newport (R.I.) donde se construyó el exterior de la prisión y se utilizó la Colony House para las secuencias que transcurren en los tribunales ordinarios. El Parlamento de Massachusetts, en Boston, sirvió para ilustrar las secuencias que transcurren en el interior de la Cámara de Representantes, donde John Quincy Adams sigue practicando el juego de la alta política con un enfoque muy particular. Además, dos goletas fueron recreadas como La Amistad y se rodaron tomas con ellas en la costa de Connecticut y también en el litoral californiano, cerca de San Pedro, en Los Angeles. Los interiores se grabaron en los Sonalyst Studios de Waterford (Connecticut), en la Marble House de Newport (Rhode Island) y en los Universal Studios de Burbank donde se rodó la secuencia nocturna que da inicio al film y que nos muestra la rebelión a bordo de La Amistad. El tanque de agua de los estudios permitió realizar todos los efectos de lluvia necesarios sin las dificultades propias del mar. Esta fue una condición expresa de Steven Spielberg ya que no ha aceptado rodar secuencias técnicamente complejas, a mar abierto, desde la experiencia en Tiburón (Jaws, 1975).

Para reforzar el sentido histórico y trágico de la película, Spielberg y Janusz Kaminski decidieron inspirarse en las obras de Francisco de Goya para iluminar las secuencias interiores en los tribunales y la prisión. Así pues, vemos emisión de luz muy potente en segundo término que provoca un ambiente rugoso y lúgubre en los planos cortos, con poca variedad cromática.

A finales de abril, el equipo se trasladó a la antigua ciudadela de San Juan (Puerto Rico) para rodar las tomas en La Habana y las secuencias ambientadas en Sierra Leona y en la fortaleza esclavista de Lomboko. El 30 de abril, la filmación principal se dio por concluida.

Amistad es una película que genera sensaciones opuestas. Por un lado, está bellamente rodada y caracterizada. Dispone de buenas interpretaciones y recrea un hecho verídico combinando la elegancia en la puesta en escena con la necesaria contundencia gráfica para ilustrar la violencia y crueldad intrínseca al cautiverio y transporte de los africanos. Hay momentos, en el navío portugués Tecora, que destacan por la expresión macabra y realista de los hechos que acaecieron. Estamos ante una denuncia expresa de la tiranía inmisericorde que representaba la esclavitud. La película no anda escasa de contundencia en ningún momento. Además, explicar lo sucedido en un flashback, añade más dramatismo porque cuando Cinqué puede empezar a comunicarse con Baldwin, brotando el germen de la conciliación, la narración se sume en la oscuridad al representar los brutales hechos que padecieron los supervivientes de ese mortal viaje por el Atlántico.

Cinqué representa esos ideales de jusiticia y libertad que están implícitos en la base doctrinaria de los Estados Unidos. Pero la complejidad de las relaciones políticas y el difícil contexto histórico llega a poner en duda el principio básico más fundamental y la primera institución del Estado consigue reabrir un caso ya resuelto para contentar a las otras partes implicadas, tanto dentro como fuera del país. Por tanto, el film plantea las deficiencias de la Democracia como sistema político aunque la feliz resolución del caso deja también algo muy claro: en Estados Unidos, el poder judicial es completamente independiente y los intentos de influir, aunque vengan desde las más altas instancias, no logran nunca su objetivo. Sin embargo, en esa misma época, el Reino de España era un modelo de Estado caciquista, absolutista y caótico, con unos tribunales al servicio exclusivo del poder mientras se construía una sociedad desigual en que los derechos individuales y colectivos de los ciudadanos eran pisoteados una y otra vez.

Sin embargo, dejando de lado el relato histórico que, como es habitual, siempre se concede algunas licencias artísticas, la película carece de la máxima trascendencia porque su narración es tan pulcra que se asemeja demasiado a un documental. El propio Spielberg se manifestó en este sentido:

"Creo que la exprimí demasiado y acabó pareciendo más bien una lección de historia."

Hay momentos que recuerdan demasiado a las versiones dramatizadas que realiza el Canal Historia. De alguna manera, Spielberg se centró en contar la trama pero olvidó darle algo más de contraste y visión personal. No obstante, creo que estamos ante una película muy notable dentro de su filmografía. En su momento, fue bastante incomprendida pero ha ganado adeptos con el tiempo.

No estoy de acuerdo con aquellos que hablan de dulcificación del argumento. Me parece que estamos ante todo lo contrario. La cinta es dura y contundente cuando debe serlo y los acontecimientos políticos no son inverosímiles porque ocurrieron de esta forma, con escasísimas variaciones. La película no puede explicar muchas otras vertientes del caso ni puede reproducir las intervenciones completas de los protagonsitas ante los tribunales por cuestiones de formato pero la esencia de lo sucedido está en la pantalla. Tampoco se puede hablar de final idílico porque, si bien los africanos consiguen la libertad y regresan a casa, se nos cuenta que lo que encontraron fue un país sumido en un conflicto bélico que había barrido a sus familias. Por consiguiente, es la tristeza la que llega al corazón del espectador en el mismísimo final.

Es cierto que la multitud de personajes hace perder entidad a algunos de ellos. Pero esta historia debía ser contada de forma épica y para ello se necesitaba un amplio reparto y múltiples escenarios que hicieran posible trasladar el significado del argumento al público. Hay emocionalidad porque así lo requiere el material. Hay exaltación del espíritu humano, por descontado. ¿Hay utilización de la película para transmitir propaganda política? Rotundamente no porque se trata de hechos históricos documentados, no hay invención. Debemos recuperar episodios históricos poco conocidos para ilustrar a las nuevas generaciones sobre los errores cometidos en el pasado. Amistad pone cara y nombres a personajes y situaciones que demasiadas veces han sido obviados por el cine. Estamos ante una crítica a las maneras de hacer política, a los juegos y subterfugios que han existido siempre entre dirigentes y burócratas. Por desgracia, todo ello nos distingue desde hace siglos y es un componente del cual no podremos escapar nunca porque forma parte de la naturaleza humana.

La partitura de John Williams volvió a ser el mejor acompañamiento para las imágenes. Se trata de una banda sonora en la que el maestro incluye ritmos tribales y étnicos que llegan al paroxismo con un tema de una belleza atronadora: Dry Your Tears, Afrika. Se trata de una pieza coral cuya letra, en lengua mende, procede de un poema escrito por el marfileño Bernard Binlin Dadié en 1967. El inicio íntimo va ganando fuerza a lo largo de la composición hasta llegar a una fusión perfecta entre música y voces. Una auténtica maravilla que podéis escuchar en esta interpretación en vivo a cargo de John Williams y The Los Angeles Philharmonic Orchestra en el concierto de 2012 en el Hollywood Bowl.

Estrenada el 10 de diciembre de 1997, Amistad demostró que no era un film de masas sino todo lo contrario. El público general no podía conectar con la propuesta. Esta era una de esas películas que Spielberg realizaba para satisfacer su inquietud interna. Se había ganado el derecho a hacerla y a compartirla con todo aquél que estuviera interesado. Sobre un presupuesto de 36 millones de dólares, Amistad recaudó 44. Obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar (incluida la de major actor de reparto para Anthony Hopkins) aunque no recibió ninguna estatuilla.

Sin embargo, la cinta sigue representando un paso importante de Spielberg dentro de una carrera diversa y multi-temática. Con su siguiente proyecto, volvería a ponerse a prueba en un terreno muy diferente.

Precedido por:

El Mundo Perdido. Jurassic Park (The Lost World: Jurassic Park, 1997)

Continúa en:

Salvar al Soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998)