Thomas Jane volvió a ser Punisher en "Dirty Laundry"

"I wanted to make a fan film for a character I've always loved and believed in - a love letter to Frank Castle & his fans. It was an incredible experience with everyone on the project throwing in their time just for the fun of it. It's been a blast to be a part of from start to finish; we hope the friends of Frank enjoy watching it as much as we did making it."

Thomas Jane

Con estas palabras, el actor que dio vida a Frank Castle en el film The Punisher (2004), justificaba la creación de este fan film, rodado con profesionalidad y brillantez. Fue durante la presentación de las novedades de los modestos RAW Studios, en la San Diego Comic-Con de 2012, cuando Thomas Jane aprovechó para deleitar a los que allí se encontraban con una gran sorpresa.

Este "Dirty Laundry" es una magnífica representación condensada de la esencia de Punisher y, además, ha podido reflejar la violencia de una forma completamente desmedida puesto que no ha tenido que pasar por ningún filtro de la Motion Picture Association of America (MPAA). Con un guión escrito por Chad St. John y bajo la dirección de Phil Joanou (que en los noventa se consideraba como un cineasta con gran futuro), este cortometraje de ficción es un homenaje al personaje creado por Gerry Conway, Ross Andru, y John Romita sr. Y también es una buena muestra de lo que el Castigador podría ofrecer al cine si se llevara por los cauces adecuados.

Quién sabe si Punisher volverá algún día a la gran pantalla. De momento conformémonos con un pequeño proyecto producto de la ilusión de un actor que se quedó con las ganas de continuar encarnando a un personaje que idolatraba. No os perdáis la aparición de un intérprete que nunca deja indiferente: Ron Perlman.

Gracias a mi amigo Xavi por haberme dado a conocer este fan film sobre el que no tenía ningún conocimiento.

Eastwood entra en el mundo de los Jersey Boys

Tommy De Vito, un "wise guy" de Belleville (New Jersey), quería triunfar en el mundo de la música y, entre pequeñas estancias en prisión por delitos de robo, fue ensamblando una formación, cuya composición definitiva, era equilibrada y talentosa. Nick Massi era el bajo y su tono de voz grave fue muy bien aprovechado en las canciones de la banda. Bob Gaudio llegó al grupo gracias a un joven amigo suyo de nombre Joe Pesci. El futuro actor le consiguió una audición y el resto es historia. Su talento para la composición fue crucial pues puso su firma en los grandes éxitos de la formación además de encargarse del teclado. Y finalmente, la voz solista correspondía a un privilegiado: Francis Castelluccio, más tarde conocido como Frankie Valli. Su melodía natural y el registro agudo de su voz se convirtió en el "trademark" de los Four Seasons.

Jersey Boys nos explica, en un formato de cuatro "estaciones" y un epílogo, la historia de la formación, ascenso y separación de la primera alineación de los legendarios The Four Seasons, una de las bandas de rock & roll más famosas de la historia cuya eclosión, en la década de los 60, suscitó un movimiento de masas que, en Estados Unidos, fue comparable al logrado por los Beatles a nivel internacional.

The Four Seasons ha continuado en activo, con diversas formaciones, a lo largo de todos estos años aunque cuenta con el efecto aglutinador que representa el impulso de Frankie Valli, uno de los miembros originales.

La historia de cuatro chicos italoamericanos de Newark (New Jersey), en su intento por alcanzar la fama con la música que más les gustaba, podía convertirse en un argumento atrayente para una versión teatral-musical. Tras el éxito global de Mamma Mia, el formato conocido como jukebox musical (que combina la acción con los singles más emblemáticos de un grupo como banda sonora de la propuesta) estaba más de moda que nunca y así fue como uno de los miembros originales, Bob Gaudio, y el primer productor y letrista, Bob Crewe, decidieron producir un montaje para el que necesitaban un libreto que fue encargado a los escritores Rick Elice y Marshall Brickman.

Tras varias versiones de prueba, Jersey Boys se estrenó en el teatro August Wilson de Broadway el 6 de noviembre de 2005. Su éxito fue inmediato y continúa pegando fuerte puesto que ha cumplido nueve años consecutivos en cartel habiendo sobrepasado las 3000 representaciones. En 2006, consiguió cuatro premios Tony que impulsaron aún más su trayectoria que se ha ido expandiendo hacia el West End de Londres (donde obtuvo el Laurence Olivier Award al mejor musical nuevo), Las Vegas, Chicago, Toronto, Melbourne, etcétera. Jersey Boys es un fenómeno global y su desembarco en la gran pantalla viene de la mano de un gran maestro que se ve con fuerzas para asumir el reto que supone el género musical, algo que Clint Eastwood no ha cultivado como director aunque sí como actor... ¿recordáis La Leyenda de la Ciudad sin Nombre (Paint Your Wagon, 1969)?

SDCC 2013: Carteles de Charles Xavier y Magneto en X-Men Days of Future Past

La sensacional campaña que Fox está realizando con X-Men; Days of Future Past nos hace suponer que se va a tratar de una película más que interesante. El argumento, que entremezcla a las dos generaciones de mutantes, es difícil de resolver pero cuentan con un gran equipo creativo encabezado por un Bryan Singer que, esta vez sí, parece dispuesto a regresar a sus inicios en cuanto a la dualidad calidad-entretenimiento.

Dos hombres en dos épocas muy distintas. Algo que los pósters han conseguido reproducir de una forma fantástica combinando los rostros de Patrick Stewart, Ian McKellen, James McAvoy, y Michael Fassbender. 

SDCC 2013: Marvel Studios panel

Aunque aún no podemos disponer de los footage mostrados para Thor: the Dark World, Captain America: the Winter Soldier, y Guardians of the Galaxy, tenemos los logos definitivos para cada una de las películas y también un potente avance. El título de la secuela de Los Vengadores será The Avengers: Age of Ultron.

Así pues, se confirman los rumores que Joss Whedon venía anticipando en alguna de sus entrevistas. Thanos aparecerá en la tercera entrega y un nuevo villano emblemático en la trayectoria de Los Vengadores hará su aparición en la próxima película. Ultrón es el resultado de la combinación de una poderosa inteligencia artificial en un exoesqueleto robótico. Dotado de grandes poderes, Ultrón es un némesis poderoso. En la tradición de los cómics, Henry Pym (alias Ant-Man) había sido su creador. Pero Joss Whedon afirma que el origen de Ultrón será diferente en el guión que está preparando:

"We're crafting our own version of it where his origin comes more directly from The Avengers we already know about. It's a little bit darker than the other film because Ultron is in the house. There's a science fiction theme that wasn't there in the other one. Ultron is definitely something that evolves, so we're going to get together a couple of different iterations. Nothing can be translated exactly as it was from the comics; particularly Ultron."

Confirma también que esta nueva entrega de Los Vengadores será más global y ocurrirá en diferentes partes del planeta. El cuartel general de rodaje, sin embargo, se ubicará en Inglaterra.

"It's very much a global Avengers film. A lot of the movie has to do with their place not just in America, but the world. Part of the fun for me, definitely this time around, is writing Hawkeye. He did get possessed pretty early by a bad guy and had to walk around all scowly for most of the movie so now it's nice to actually have the character there and see him interact with the other guys."

Mientras esperamos los primeros trailers de todas estas películas, conformémonos con los logos oficiales y algunas fotos y entrevistas posteriores al panel:

SDCC 2013: aparición sorpresa del mismísimo Loki en la convención

Liberado de su presidio en Asgard por unas horas, Loki aparece en el centro de convenciones de San Diego para interrumpir el panel de Marvel Studios. Kevin Feige, que estaba explicando el proceso de post-producción de Thor: the Dark World, se ve obligado a abandonar el escenario ante la amenaza del villano que se pregunta... "Where are your Avengers now?".

Más allá del poderoso momento de ficción recreada, hay que reconocer la enorme talla interpretativa de Tom Hiddleston para ponerse en el papel, sólo durante unos minutos, e impactar a una audiencia de más de 7000 personas desde el momento en que su voz sombría se deja oír en la sala. El actor británico demuestra que sus años de preparación y la experiencia en los escenarios, le dan la fuerza suficiente para resultar creíble en cualquier situación.

SDCC 2013: X-Men Days of Future Past

Durante el panel de 20th Century Fox, Bryan Singer realizó una aparición sorpresa acompañado por gran parte del reparto de su X-Men: Days of Future Past.

Y esta es la foto twitteada por Sir Patrick Stewart:

Y aquí tenéis el panel completo. Qué reunión de estrellas!!! 

SDCC 2013: Superman y Batman coincidirán por primera vez en 2015!!!

Por fin, Warner Brothers y DC Entertainment han decidido atacar con potencia presentando un proyecto que el público está deseoso de ver desde hace décadas.

Ante la voracidad del público por ver a los dos grandes superhéroes juntos, Warner ha decidido apostar por lo que parece un éxito de taquilla aún más potente que el que ha conseguido hasta ahora Man of Steel. Aunque, obviamente, la duda que se abre es quien interpretará a Batman en un film que va a funcionar como secuela y,  a la vez, como reboot para el justiciero de Gotham City. En 2015, llegará Los Vengadores 2 y está claro que WB ha decidido contrarrestar con lo mejor de su arsenal. La batalla será épica. Del éxito de este combo dependerá el futuro del universo DC en el cine, que debería coronarse con un film sobre la Justice League.

Se confirma también que Christopher Nolan y su esposa, Emma Thomas, dan un paso atrás en su implicación y dejan que la orientación del nuevo Batman corresponda a Snyder y Goyer, quienes crearán el argumento que escribirá el segundo.

Charles Roven y Deborah Snyder se mantienen como productores con mando.

Estas son las declaraciones oficiales de los implicados:

Greg Silverman (Warner Brothers)

"Zack Snyder is an incredibly talented filmmaker, but beyond that, he's a fan first and he utterly gets this genre. We could not think of anyone better suited to the task of bringing these iconic Super Heroes to the screen in his own way."

Sue Kroll (Warner Brothers)

"We are thrilled to be back in business with Zack and his team on this next movie. The success of Man of Steel is a wonderful testament to the love and support that both fans and new audiences, worldwide, have for these characters. We are very excited to see what Zack has in store for all of us."

Diane Nelson (DC Entertainment)

"Superman and Batman together on the big screen is a dream come true for DC fans everywhere. All of us at DC Entertainment could not be more excited for Zack's continuing vision for the DC Universe."

Zack Snyder

"I'm so excited to begin working again with Henry Cavill in the world we created, and I can't wait to expand the DC Universe in this next chapter. Let's face it, it's beyond mythological to have Superman and our new Batman facing off, since they are the greatest Super Heroes in the world."

Emma Thomas, oficializa con sus palabras la intención de dejar que el nuevo rumbo de Batman sea trazado por otros. La trilogía The Dark Knight nunca fue pensada para convivir en un universo compartido por otros superhéroes. Su rumbo quedará eternamente ligado a un sello de calidad personal, pocos veces visto hasta ese momento, que forma un capítulo especial y separado en la trayectoria del Caballero Oscuro en el cine.

Estas son sus palabras:

"Whilst our Dark Knight trilogy is complete, we have every confidence that Zack's fresh interpretation will take the character in a new and exciting direction. His vision for Superman opened the door to a whole new universe and we can't wait to see what Zack does with these characters."

Por último el logo oficial de la nueva película, desvelado en la propia convención:

Ahora bien, la búsqueda del actor que dará vida a Bruce Wayne ya ha empezado. Sustituir a Christian Bale se antoja una misión de gran dificultad por la enorme sintonía que consiguió con el personaje y por su gran talla como intérprete. Pero una vez terminada su etapa, ¿a quién seleccionaríais para hacerse con la capa y la capucha?

SDCC 2013: Homenaje a los caídos en Juego de Tronos

Atención a los spoilers entre aquellos que no hayan visto aún la tercera temporada!!!

 

Star Trek: En la Oscuridad (Star Trek Into Darkness, 2013)

En 2009, JJ Abrams revitalizó, de una forma descomunal, la franquicia Star Trek y, gracias a la nueva propuesta argumental de sus guionistas Alex Kurtzman & Roberto Orci, creó una insólita oportunidad para la saga, en una línea temporal alternativa, que permitía ver a los personajes de la tripulación original del Enterprise ante nuevas situaciones, con cambios en sus trayectorias y vicisitudes, pero también con elementos que podrían coincidir con lo que conocemos, aunque siempre con diferencias. Esta vía abierta ofreció libertad, evitó el constreñimiento, y permitió trazar nuevas tramas para sorprender a la audiencia en los años venideros.

La propuesta se basa en una reflexión que todos hemos hecho alguna vez sobre nosotros mismos. Si volviéramos a nacer o, si a partir de un momento concreto de nuestra vida, un factor de cambio violento alterara nuestro camino... ¿qué sucedería con nuestra vida entonces?. Algunas cosas sucederían igual o parecidas aunque experimentaríamos también muchas situaciones diferentes. Nuestro destino podría verse transformado. Pero, aún así, ciertas situaciones nos volverían a ocurrir aunque con ciertos cambios, porque estaríamos viviendo una versión alternativa de los hechos. Serían las inevitables consecuencias derivadas de un nuevo rumbo de vida.

Esa es la idea que se aplicó al reboot de Star Trek hace cuatro años y su éxito confirmó el acierto de la propuesta. Porque JJ Abrams recibió el encargo de insuflar fuerza a una franquicia que, tras diez películas y cinco series de televisión, parecía haber explorado todos los elementos narrativos posibles. Además, era necesario conectar con una nueva generación de espectadores presentando un film más espectacular, más impactante. Los registros de taquilla han favorecido la apuesta y con la secuela recientemente estrenada, Star Trek Into Darkness, se confirma que estamos ante el film comercialmente más exitoso de la histórica franquicia de Paramount Pictures.

Star Trek, en el cine, es ahora un valor muy seguro, ha refrescado sus ideas y el joven casting elegido ha conectado bien con cada uno de los icónicos personajes forjando una base que puede seguir funcionando en los próximos años.

Con Into Darkness, JJ Abrams y su equipo han mantenido todo lo bueno que ofrecieron hace cuatro años y, además, han dado nuevos pasos en el terreno de la cohesión entre la propia tripulación del Enterprise y en la reformulación del mundo, quizá utópicamente unido, en el siglo XXIII.

Se ha universalizado la propuesta, haciéndola más atractiva para el gran público, pero en dicho proceso se ha mantenido la esencia del legado de Gene Roddenberry. Él mismo siempre pensó en iniciar un proyecto que nos explicara cómo James T. Kirk llegó a ser capitán del Enterprise y cómo había forjado su extraordinaria amistad con Spock y con el resto de la tripulación original. Las personalidades de todos ellos se mantienen y, además, se introduce algún elemento nuevo que, lejos de molestar, le añade un interés especial a la propuesta. En esta película, se incluye un alegato muy contundente en contra de una iniciativa que pretende militarizar a la Federación para hacer frente, de una forma más efectiva, al Imperio Klingon en un conflicto que se prevee inminente. La violación sistemática del objetivo de explorar y conocer los secretos del universo, implícito en las bases fundacionales de la Federación Unida de Planetas, se trata de pervertir por parte del almirante Alexander Marcus (Peter Weller) y el mensaje de luchar por mantener la identidad pacifista de la alianza interplanetaria es un criterio argumental muy presente en el film. De alguna manera, desde algunos estamentos de la Federación, siempre han habido intentos de ir más allá de los mandatos establecidos generando situaciones de mayor conflictividad. Por todo ello, la trama es coherente con el bagaje que, aquellos que hemos seguido la franquicia a través de sus múltiples formas, conocemos.

El incumplimiento de la Primera Directiva también está muy presente y con ello situaciones que respetan el canon de Star Trek de manera oficial y que propician interesantes conflictos en las relaciones entre personajes. Quiero resaltar la acertada representación de la dualidad-amistad que siempre preside la relación entre Kirk y Spock. Al igual que los contínuos reproches del doctor McCoy hacia el vulcaniano, algo que sigue funcionando excelentemente como nota de humor de calidad. La evolución del propio Spock y la inversión de roles que explora la película, en su tramo final, resulta una de las aportaciones más interesantes y está plenamente justificada si examinamos todos los elementos dramáticos que Abrams nos va presentando.

El reparto confirma su idoneidad para los diferentes roles y quiero destacar que Chris Pine está mucho más seguro en el papel de Kirk y eso se nota en cada momento. Su mejora es muy notoria y hay momentos en que ya tiene el aura de liderazgo que su personaje está adquiriendo y que él ya está en condiciones de brindar puesto que es más conocedor de su papel y dispone de una confianza mucho mayor para hacer frente a un personaje tan emblemático.

Esta es la base de Into Darkness y es algo muy sólido sobre lo que construir el film pero lo que le da el ingrediente extra que necesita toda secuela es el villano encarnado por el soberbio Benedict Cumberbatch. Todos sabíamos que Khan Noonien Singh aparecería en esta realidad alternativa que se generó poco antes del nacimiento de Kirk. En la serie original, Khan (interpretado por Ricardo Montalbán) hacía su aparición pronto y suponía una amenaza brutal para la Federación, algo que fue aprovechado nuevamente en Star Trek: La Ira de Khan (1982).  La película nos dejó momentos legendarios en cuanto a la lucha entre personajes antagónicos. El épico momento del grito (Khaaaaaaan!!!!) y el sacrificio que debe asumir un importante miembro de la tripulación, han sido magníficamente reorquestrados en el guión escrito por Kurtzman, Orci, y Damon Lindelof.

La inclusión de Khan en esta nueva realidad está excelentemente conseguida y Cumberbatch logra reafirmarlo aportando una nueva dimensión de villanía al personaje. Refuerza la sutileza y elegancia del personaje sin por ello perder una pizca de su poder amenazador e intimidante. Estamos ante un guerrero, el resultado del proyecto surgido de una sociedad atemorizada que generó una serie de "superseres" para hacer frente a los grandes peligros que la acechaban. Pero la Federación llevó la civilización y el pacifismo a todo su ámbito de actuación y el propósito de Khan y sus congéneres quedó desfasado. Pero los cuerpos congelados de todos ellos siguieron almacenados en algún lugar, como si esperaran su oportunidad de reaparecer para cumplir con sus crueles objetivos. Ante la amenaza del Imperio Klingon, el almirante Marcus considera que se enfrentan a una fuerza incivilizada, visceral, y destructiva. Por consiguiente, decide reanimar al último vestigio de una época en que la humanidad vivía atemorizada por el riesgo a una guerra global. Aprovechando su inteligencia superior y su fiereza, le utiliza para el desarrollo de armas y naves que vulneran todas las directivas que él juró prometer como oficial de la Flota Estelar. Como cita el propio Khan durante la película: "Él quería explotar mi salvajismo. El intelecto, por él mismo, es inútil en la batalla."  Por tanto, tal como el primer Spock le explica a su nueva encarnación: "Khan is the most dangerous adversary the Enterprise ever faced. He is brilliant, ruthless and he will not hesitate to kill every single one of you."

De nuevo nos encontramos, frente a frente, con el principio de la eugenesia. Desarrollar genéticamente a individuos superiores en fuerza e inteligencia. Y, otra vez, presenciamos los peligros que estos seres podrían generar si no aplican sus dones de forma ortodoxa. Este tema que conecta con el darwinismo, el gobierno de los más fuertes, la mejora de la raza, etcétera, parece ser algo que obsesiona especialmente a los guionistas en los últimos años. Ninguna de las películas busca profundizar en este materia pero es curioso observar como utilizan premisas de este tipo para tejer interesantes argumentos. Y no cabe duda de que el material rinde.

En conclusión, Star Trek: En La Oscuridad, es una gran aportación a la saga galáctica y es, indudablemente, una de las películas más interesantes de la campaña de verano. Tiene acción, ritmo trepidante, emoción, y buenas tramas que se construyen a partir de una paradigma legendario. Abrams no podrá dirigir la futura secuela puesto que ahora está centrado en Star Wars y en todo lo que esa titánica labor supone, pero deja un rumbo fijado absolutamente apasionante. Esperemos que su creatividad y buen hacer tenga su eco en Star Wars. La exigencia y repercusión va a ser mucho más potente.   

Hepburn & Tracy: carrera artística conjunta y convivencia controvertida

Eva Buendía concluye su artículo sobre Hepburn & Tracy resumiendo la carrera conjunta de ambos y la significación de algunas de sus interpretaciones más emblemáticas. Que lo disfrutéis.


En los 40, protagonizaron seis películas juntos: cuatro de ellas fueron La mujer del año (1942), comedia de George Stevens en la que ella demostró sus dotes para hablar francés, ruso y español,  Sin amor (Without Love, 1945), y Mar de hierba (Sea of Grass, 1947), de Elia Kazan. En 1949, en La costilla de Adán (Adam's Rib, bajo la dirección de George Cukor), ambos realizan una magnífica interpretación de un matrimonio de abogados que se ven enfrentados en los tribunales para defender a sus respectivos clientes en un mismo caso.

Su relación sentimental hizo correr ríos de tinta en la sociedad norteamericana de aquel momento ya que, aún cuando Tracy no quería divorciarse, no dejaba de estar mal visto que mantuviera abiertamente una relación con otra mujer con la que, además, compartía profesión y largos meses juntos debido a los rodajes. Pero ellos siguieron con su relación sin importarles los comentarios que pudieran surgir de ello, conscientes de que en el mundo del cine su relación era plenamente aceptada y que, sin ninguna duda, reportaba grandes beneficios a los estudios ya que era un reclamo seguro.

Ejemplo de ello fueron La llama sagrada (Keeper of the Flame, 1942), donde él encarnó a un periodista que investigaba la muerte de un héroe americano acompañado por la viuda, Hepburn, que le ayudaba en la investigación;  El estado de la Unión (State of the Union, 1948), en la que dio vida a un político republicano candidato a ser presidente del país, lo que le hace preguntarse sobre la honestidad tras varios compromisos incómodos tanto en el terreno político como en su vida de casado junto a su esposa; La Impetuosa (Pat and Mike, 1952) donde ella interpretó a una profesora de educación física con un novio que la infravaloraba mientras llamaba paralelamente la atención de un promotor, papel interpretado por Tracy, el cual la insta a dejarse ganar en unas competiciones para beneficio de ambos. El amor surge entre ellos al comprobar él la honradez de ella y al descubrir Hepburn que en su promotor tiene un ejemplo a seguir y, por último, Su otra esposa (Desk Set, 1957), cuyo argumento gira en torno a un ingeniero que pone en peligro el trabajo de toda una plantilla de una cadena televisiva al inventar un sistema revolucionario de recopilación de archivos para el que ya no harían falta tantos trabajadores.

   

Hollywood supo ver este tirón de la pareja interpretando el siempre bien aceptado conflicto entre la mujer que trata de mostrar su valía frente a la figura masculina paternalista y protectora por la que se siente atraída y a la que, normalmente, quiere desafiar al mismo tiempo. En todas ellas, los personajes que interpretaba Hepburn demostraban que no querían a un padre sino a un compañero con el que sentirse en igualdad de condiciones tanto a nivel profesional como personal.

   

Se podría decir que ellos fueron los precursores de esta temática de guerra de sexos con final feliz que tan frecuente es verla hoy en muchas de las películas más recientes de la industria del cine. No solo supieron representarlo a la perfección sino que también dieron ejemplo de ello a través de su relación fuera de las salas de cine, convirtiéndose así en unos adelantados a su tiempo, cuyo estilo de vida no fue aceptado y respetado por toda la comunidad, lanzando multitud de rumores sobre las vidas personales de ambos que supieron afrontar e ignorar como las estrellas y profesionales que eran.

      

Decidieron vivir de esta manera su vida y así lo hicieron, de acuerdo a sus propias convicciones, sin dañar a nadie e ignorando las normas estipuladas por una sociedad que pretendía imponer un cliché demasiado artificial y puritano de familia modélica feliz. Una imagen sumamente estereotipada y falsa de la sociedad perfecta que muchos creían que era lo mejor para aquellos tiempos.

   

Spencer Tracy estuvo muy enfermo los últimos años de su vida pero siempre contó con su estimada Katharine como fiel compañera, amante y enfermera. La última película que rodaron juntos fue el magnífico melodrama Adivina quién viene a cenar esta noche (Guess Who's Coming to Dinner, 1967), estupendo ejemplo de cómo se pueden superar los prejuicios raciales a través de la trama basada en cómo un matrimonio de la clase media-alta de la sociedad norteamericana tiene que aceptar (con más benevolencia ella) que su hija está enamorada y quiere casarse con un joven de color. La reflexión final de Matt Drayton (Tracy) sigue siendo uno de los mejores monólogos de la historia del cine porque en esas líneas de guión, concebidas por William Rose, confluyen todos los elementos que configuran el pensamiento de una sociedad que empezaba a romper barreras en el tema racial. Drayton es un hombre de carácter progresista pero, a lo largo del film, le vemos sufrir de los mismos prejuicios que los más conservadores. La seguridad de su hija es lo que más le obsesiona y preocupa pero al final puede más la voluntad y el sentimiento de amor que ella siente por el doctor Prentice (Sidney Poitier) que los problemas a los que deban enfrentarse en el futuro. Tracy estuvo espléndido y la reacción de Hepburn al mirarle y llorar puede fácilmente extrapolarse a la situación real que estarían viviendo. Ella nunca quiso ver la película aunque le supusiera su segundo Oscar ya que poco después de su filmación él murió como consecuencia de su larga enfermedad.

Katharine Hepburn murió muchos años después tras una larga enfermedad en 2003 y, en honor a ella, las luces de todos los teatros de Broadway se apagaron durante una hora.

   

En la ceremonia de los Oscar de 2004, Julia Roberts le dedicó un cálido homenaje póstumo ya que, para Hepburn, Roberts era su actriz más querida del cine, considerando que se parecían mucho a la hora de actuar ante las cámaras. Y Roberts se lo agradeció enormemente.

   

Pero, aunque las cámaras dejaran de rodar y los focos dejaran de iluminar, las estrellas de ambos seguirán brillando en el firmamento del cine como unas de las más queridas y admiradas. Siempre los tendremos presentes a través de sus películas e interpretaciones, donde dieron ejemplo de unión y fuerza ante cualquier adversidad con la que se encontraran.

Hepburn y Tracy: grandes genios, grandes actores para la posteridad.

Sam Mendes seguirá la pista de 007 en el nuevo film de la franquicia más longeva

Un anuncio esperado y muy gratificante. Sam Mendes volverá a la silla de dirección para el nuevo film de la saga Bond, cuya fecha de estreno se ha fijado para el 23 de octubre de 2015.

Tras el éxito crítico y comercial de Skyfall (1,1 Billones de dólares de recaudación, la película británica más victoriosa en taquilla de la historia), todos los responsables de producción (Eon, Sony Pictures, y MGM) pusieron un gran empeño en conseguir que Mendes aceptara dirigir el siguiente proyecto de la franquicia. 

Pero Mendes respondió negativamente al ofrecimiento, en un principio, puesto que estaba ya comprometido para supervisar varias obras teatrales en el West End londinense. La producción de un film de 007 es larga y creía que no dispondría del tiempo necesario para estar al mando de todo este proceso.

Sin embargo, Barbara Broccoli y Michael G. Wilson siguieron insistiendo y, al retrasar la fecha de estreno de la nueva película al año 2015, han conseguido que el realizador británico haya aceptado volver a ponerse tras las cámaras de este "Bond 24".

Daniel Craig también ha tenido un gran peso en esta negociación ya que es de sobras conocida la amistad entre ambos y, en entrevistas concedidas durante la promoción de Skyfall, siempre aseguró que Mendes, John Logan, y él mismo habían hablado sobre líneas argumentales interesantes para el futuro de la franquicia. Ahora todo ello podrá hacerse realidad porque también repite John Logan como guionista.

Según el calendario previsto, el nuevo film no entraría en fase de rodaje hasta noviembre o diciembre de 2014. Eso ofrece tiempo a Mendes para dedicarse a fondo a sus proyectos teatrales antes de embarcarse en una pre-producción en la que empezará a trabajar a partir del próximo mes de mayo. John Logan ya está escribiendo el guión, esta vez en solitario.

Ante esta gran noticia que asegura un rumbo de calidad para la nueva cinta de la saga, los responsables han declarado lo siguiente:

Michael G. Wilson & Barbara Broccoli (Eon Productions)

"Following the extraordinary success of Skyfall, we're really excited to be working once again with Daniel Craig, Sam Mendes and John Logan".

Sam Mendes

"I am very pleased that by giving me the time I need to honour all my theatre commitments, the producers have made it possible for me to direct Bond 24. I very much look forward to taking up the reins again, and to working with Daniel Craig, Michael G. Wilson and Barbara Broccoli for a second time."

Michael Lynton & Amy Pascal (Sony Pictures)

"It's a privilege to work on the Bond films. EON, John Logan and Sam Mendes have come up with an extraordinary follow up to Skyfall and we, along with our partners at MGM, can't wait to share this new chapter with audiences all over the world."

Hepburn & Tracy : inicios y trayectorias personales

Con este artículo y otro que le seguirá, Eva Buendía analiza los hechos principales de la carrera de una de las parejas míticas de la historia de Hollywood. Katharine Hepburn y Spencer Tracy eran colosos de la interpretación y su unión, fuera de la pantalla, se sigue considerando como la más poderosa de cuantas ha habido. A buen seguro que, de vivir en nuestra época, su eco mediático habría dejado bastante atrás al dúo Brad Pitt & Angelina Jolie. Porque Tracy & Hepburn eran seres complejos, con una fuerte personalidad. Su excelencia en el trabajo marcó un hito para futuras generaciones de intérpretes. Y ese umbral que alcanzaron juntos, y por separado, no ha sido superado.

Esta es la historia de dos rebeldes dentro y fuera de la pantalla, de dos actores de la época dorada de Hollywood cuya energía traspasó fronteras y que dejó uno de los legados más significativos de la industria del cine norteamericano de los años 40, 50 y 60: una lista de nueve películas protagonizadas por ambos en las que su profesionalidad y rivalidad interpretativa constituían uno de los principales atractivos de las filmaciones. No pueden ser otros que Katharine Hepburn y Spencer Tracy.

En el momento de conocerse para rodar su primer filme juntos, La mujer del año (Woman of the Year, 1942), Hepburn ya era una actriz de teatro muy consolidada, con  más de veinte obras en su haber. Desde 1932, había dado el salto al cine configurando una carrera impresionante en la que ya había trabajado con los mejores en títulos como Gloria de un día (Morning Glory, 1933), Mujercitas (Little Women, 1934), Mary of Scotland (1936), La Fiera de mi Niña (Bringing up Baby, 1939), e Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story, 1939), papel que había representado poco antes en los escenarios y con el que consiguió un gran éxito gracias a la adaptación cinematográfica de uno de sus directores predilectos: George Cukor. No fue hasta la década de los 50 que volvió al teatro una vez consolidada su carrera en el cine, con obras como “El mercader de Venecia” (1955), “Mucho ruido y pocas nueces” (1957), o “Antonio y Cleopatra” (1960), realizando diversas giras por Australia, Inglaterra, y EEUU. Era ya claramente una actriz más que consolidada ya que su reconocimiento teatral tanto en crítica como en público lo obtuvo con la obra “La millonaria” (1952).

Después de esta incursión teatral volvió al cine protagonizando el personaje basado en la modista francesa Coco Chanel en el musical “Coco” (1969), por el que fue nominada a su primer Premio Tony; la segunda nominación a estos premios la obtuvo en 1981, gracias a su interpretación en  la obra “The west side waltz”.

   

Hepburn contaba ya por aquel entonces con dos Oscar gracias a Gloria de un día (1933) y Adivina quién viene a cenar esta noche (Guess who's coming to dinner, 1967), además de ocho nominaciones como candidata a mejor actriz. Con El león en invierno (The Lion in Winter, 1968) y En el estanque Dorado (On Golden Pond, 1981) se convirtió en la estrella norteamericana que más Oscar ha conseguido a lo largo de su carrera, cuatro en total, seguida por Meryl Streep, Ingrid Bergman o Jack Nicholson. Los acabó donando todos ya que, fiel a su carácter rebelde, creía que eran pura banalidad y que en realidad no le pertenecían.

Por su parte, Spencer Tracy fue descubierto por John Ford mientras protagonizaba la obra teatral “The last mile” en la década de los 20, su mayor éxito teatral. Con él rodó, en 1930, Up the river, filmando 16 películas en Hollywood en sus tres primeros años como actor cinematográfico. No fue hasta 1935, al firmar con la MGM un contrato en exclusiva, cuando su carrera despega definitivamente y se convierte en una estrella.

Cosechó también Premios de la Academia como ella, dos en concreto, por Capitanes Intrépidos (Captains Courageous, 1937) y Forja de hombres (Boys Town, 1938) aunque fue nominado en siete ocasiones más. Sus interpretaciones más brillantes fueron en El poder y la gloria (The Power and the Glory, 1933), Furia (Fury, 1936), La costilla de Adán (Adam's Rib, 1949), La mujer del año (Woman of the Year, 1942), El último hurra (The Last Hurrah, 1958), La Herencia del Viento (Inherit the Wind, 1960), Vencedores o Vencidos (Judgment at Nuremberg, 1961) y, en especial lugar, Adivina quién viene a cenar esta noche (Guess who's coming to dinner, 1967).

En el momento de conocerse, las circunstancias personales de Tracy eran poco propicias ya que estaba casado por aquel entonces. Debido a sus creencias católicas, nunca quiso divorciarse de su mujer pero esto nunca supuso un obstáculo para amar a Hepburn.

   

La conversación que mantuvieron sólo conocerse es digna de la personalidad única y fuerte de ambos ya que, a la apelación de ella a la baja estatura de él con un “Me parece señor Tracy que es usted demasiado bajito para mí”, la respuesta de él fue paralela con un “No te preocupes Kate, Spencer te humillará hasta rebajarte a su altura” (refiriéndose al cine). De este cruce de opiniones surgió, pues, una historia de amor entre ambos actores que duró 25 años, hasta la muerte de él. En el próximo artículo ahondaremos en esa historia conjunta.

The Getty Center, un altar de la cultura en Los Angeles

En Star Trek: Into Darkness, el cuartel general de la Flota Estelar tiene una relevancia importante en una serie de escenas.  Algunos exteriores de las mismas fueron recreados en el Getty Center, un imponente complejo ubicado en las montañas de Santa Mónica, dentro del distrito de Brentwood, en Los Angeles.

 Un ejemplo evidente de cómo los efectos digitales, agregados en post-producción, pueden cambiar el entorno y apariencia de cualquier localización.

A casi 300 metros de altura, dispone de una de las vistas panorámicas más extraordinarias de la región puesto, que en un día de gran claridad, no sólo es posible ver toda el área de Los Angeles y el Océano sino también las montañas de San Gabriel y San Bernardino, al Este.

El complejo del Getty Center es un centro cultural que completa la obra social del billonario empresario petrolero, John Paul Getty (1892-1976). Habiendo acumulado tal cantidad de obras artísticas, que excedían la primera ubicación del museo que ahora es conocido como Getty Villa (en Pacific Palisades), la Junta que administra el legado del patriarca decidió adquirir nuevos terrenos que ampliaran la difusión de conocimientos además de albergar, de una forma más excelsa, el fondo cultural.

Así fue  como, en 1983, se anunció la compra de un terreno de 45 hectáreas en las montañas de Santa Mónica, sobre la interestatal I-405. Un año después, el arquitecto Richard Meier fue contratado para desarrollar el proyecto que inició su construcción en 1989. El presupuesto final fue de 1,3 billones de dólares.

El Getty Center fue finalmente inaugurado el 16 de diciembre de 1997 habiéndose convertido en uno de los lugares más emblemáticos de Los Angeles desde entonces. En su interior, acoge el Getty Research Institute, el Getty Conservation Institute y la Fundación. También se ubican las oficinas administrativas de la Junta rectora del patrimonio Getty.

Pero, obviamente, la punta de lanza del complejo es la división del J. Paul Getty Museum dedicado al arte contemporáneo. Espacios diáfanos, de grandes dimensiones, donde las obras de arte brillan con muchísima fuerza, especialmente Les Iris de Vincent Van Gogh.

Los jardines, diseñados por Robert Irwin, completan un espacio singular y de gran belleza, rodeado por la naturaleza, pero perfectamente integrado en el paisaje. Un remanso de paz desde el que divisamos el ajetreo de la gran urbe.

Completo el artículo con una serie de instantáneas tomadas durante la visita que realicé el año pasado. Gracias a mis amigos Néstor y Yalta por llevarme a conocer un lugar tan fantástico.

Coches de cine: Black Beauty V-194 y Ecto-1

Entre 1966 y 1967, la cadena ABC emitió la serie The Green Hornet. Adaptando un serial radiofónico, originario de los años 30, nos presentaban las aventuras de un justiciero enmascarado que, bajo la identidad del "Avispón Verde", luchaba contra el crimen organizado junto a su joven chófer oriental. Como no podía ser de otra forma, Kato resultaba ser especialista en artes marciales. Estábamos en una época en que las adaptaciones de personajes de cómic carecían de matices y las historias resultantes funcionaban como simples clichés que se dejaban notar en todos y cada uno de los episodios. Concretamente, esta serie se lanzó tras el éxito que estaba teniendo el proyecto televisivo de Batman que protagonizaban Adam West y Burt Ward. Ambos personajes guardan similitudes pues surgen de la misma época pero el caballero oscuro ha evolucionado con el tiempo y se ha adaptado al aumento de la exigencia por parte del espectador. El Avispón, por su parte, es un héroe desfasado pero anecdótico.

Green Hornet era el aterego de un adinerado playboy, editor del Daily Sentinel, llamado Britt Reid. Van Williams le dio vida en la teleserie y el malogrado Bruce Lee se hizo con el papel de Kato, un rol que le abrió la puerta del mercado norteamericano.

Ambos vigilantes tenían el apoyo de un coche espectacular, que estaba equipado con toda clase de gadgets para ayudarles en su cruzada contra el crimen. El automóvil, conocido como Black Beauty V-194, era un potente sedán negro que se construyó a partir de un Chrysler modelo Imperial Crown de 1966. El ingeniero Dean Jeffries lo modificó y los técnicos de efectos especiales se las apañaron para crear la ilusión de que el coche disponía de un sistema de cámaras, blindaje resistente, dispositivos para borrar las huellas de las ruedas, cañones láser, cohetes, cortinas de humo, etcétera.

La serie no tuvo demasiado éxito aunque generó un fenómeno fan interesante que pervivió a lo largo de las décadas gracias a posteriores reposiciones. Durante años hubo una importante batalla entre varios estudios para conseguir los derechos de adaptación hasta que, en 2007, el productor Neal H. Moritz llegó a un acuerdo con Sony Pictures para producir un largometraje cinematográfico. Finalmente, en 2011, se estrenó el film dirigido por Michel Gondry y co-escrito por Seth Rogen y Evan Goldberg. El mismo Seth Rogen asumió el papel de Britt Reid (en una decisión que fue bastante controvertida) mientras que el músico taiwanés Jay Chou encarnó a Kato. Christoph Waltz, Cameron Diaz, Edward James Olmos, y Tom Wilkinson completaron el reparto.

De la película no puede decirse nada bueno. No fue un completo desastre a nivel de recaudación pero su pésima acogida y el tono ridículo y fuera de tiempo del personaje demostró que no puede acoplarse a los gustos actuales. Por su propia esencia, Green Hornet tiene un reciclaje bastante difícil así que se quedará guardado en un cajón junto a otros colegas de generación como The Spirit.

En el articulo dedicado a los estudios de Sony Pictures, advertí que en un lugar muy concreto de su backlot se permitían las fotos. Y allí fue donde tuve ocasión de ver in situ uno de los tres modelos Black Beauty V-194 que sobrevivieron al rodaje de la película. En la cinta se llegaron a utilizar hasta 26 coches. A continuación, podéis ver la estampa de un fantástico automóvil que impone bastante al verlo de cerca.

Y, como sorpresa, nos encontramos con otro coche de cine absolutamente emblemático. Está muy presente en la memoria colectiva de todos aquellos que crecimos en la década de los 80. Se trata del carismático Ecto-1 o Ectomobile de Cazafantasmas (Ghostbusters, 1984). Se trata de un Cadillac de 1959 modelo ambulancia que, en la primera versión del guión, debía ser negro. Pero los responsables no tardaron en darse cuenta de que, teniendo la película muchas escenas nocturnas, el color oscuro no resultaba el más apropiado. Consciente del tono cómico de la cinta, Ivan Reitman decidió que el coche fuera blanco y encargó a Steven Dane la misión de customizarlo. La película se rodó con sólo dos unidades. La que veis en la siguiente foto es una de ellas, convenientemente restaurada.

Sony Pictures Studios

La ciudad de Culver City, en el condado de Los Angeles, es básicamente conocida por haber albergado, desde 1924, una de las mayores y más fantásticas factorías de cine: los míticos estudios de la Metro Goldwyn Mayer.

En su extenso backlot, floreció la producción de un sello emblemático cuya constante producción, supervisada por Louis B. Mayer, generó clásicos en todos los géneros aunque destacó particularmente en el musical. A la factoria del león le debemos títulos como Melodías de Broadway, El Mago de Oz, Levando Anclas, Un día en Nueva York, Un Americano en París, Cantando bajo la Lluvia, Bodas Reales, Brigadoon, West Side Story, Chitty Chitty Bang Bang, entre muchas otras. También fue el estudio que produjo varias de las suntuosas películas acuáticas que protagonizó Esther Williams. En el stage 30, se sigue manteniendo el gran tanque de agua que ha continuado acogiendo el rodaje de escenas que han requerido esta ambientación.

En la época de máximo esplendor del estudio, entre 1935 y 1965, se solía decir que en la MGM había más estrellas que en el firmamento. Y no les faltaba razón porque llegaron a tener bajo contrato a los siguientes intérpretes: Clark Gable, James Stewart, Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly, Elizabeth Taylor, Lucille Ball, Greta Garbo, Buster Keaton, Stan Laurel & Oliver Hardy, Esther Williams, Bette Davis, Lana Turner, Peter Lawford, Greer Garson, Joan Crawford, Lionel Barrymore, Hedy Lamarr, Robert Taylor, Paul Newman, Spencer Tracy, Katharine Hepburn, y muchísimos más que configurarían una lista interminable.

En 1939, el estudio impactó a la industria de Hollywood al presentar dos films de magna repercusión: El Mago de Oz y Lo que el Viento se Llevó. Ambas películas aportaron 10 premios Oscar y marcaron la eclosión definitiva del estudio.

En 1959, con el estreno de Ben-Hur, la major siguió demostrando que mantenía su potencia intacta y que era capaz de llegar al público en toda clase de géneros. Sus once Oscar establecieron un récord que tardó en igualarse. Fue la demostración que aún habiendo perdido al gran magnate y fundador, Louis B. Mayer (fallecido en 1957), la Metro seguia manteniendo un vigor absoluto.

Pero en los años 70 la fuerza del estudio empezó a decaer. Malas decisiones empresariales, por parte de las sucesivas juntas de dirección, condujeron al estudio a un progresivo estado de parálisis, perdiendo la lucha con las otras corporaciones en un escenario de mayor competencia. La fusión con United Artists, en 1981, tampoco pudo parar la fallida. Finalmente, en 1986, los estudios de Culver City tuvieron que ser vendidos y la compañía entró en un proceso de recolocación y disminución en la escala de producción. El león ha seguido rugiendo pero, tras él, jamás ha vuelto a existir la fuerza de antaño.

Entre 1986 y 1990, los estudios fueron la sede de la productora televisiva Lorimar hasta que Sony Entertainment adquirió la propiedad para convertirla en su sede de producción.

Sony Pictures, que incluye en su conglomerado a Columbia y a TriStar Pictures, ha ampliado aún más la extensión de terreno para el estudio. Durante más de veinte años, ha aprovechado el sello histórico de Columbia Pictures para seguir manteniéndose entre las seis grandes majors hollywoodienses.

Entre los títulos más importantes que se han producido, bajo su amparo, podemos encontrar los siguientes:  la trilogía de Spiderman dirigida por Sam Raimi y su reboot, The Amazing Spiderman, la saga Men in Black,  Black Hawk Derribado, Air Force One, Jerry Maguire, La Boda de mi Mejor Amigo, Starship Troopers, Juegos Salvajes, Sentido y Sensibilidad, El Presidente y miss Wade, Jumanji, El Primer Caballero, Philadelphia, Algo para recordar, La Edad de la Inocencia, Leyendas de Pasión, Lo que queda del Día, Máximo Riesgo, Algunos Hombres Buenos, En la línea de Fuego, Big Fish, El Código da Vinci, Casino Royale, Zombieland, 2012, La Red Social, Looper, Skyfall, Zero Dark Thirty (La Noche más Oscura), entre muchas otras.

En la ruta guiada por el estudio, tienes la oportunidad de visitar el backlot y conocer muchos de los platós de rodaje, además de las salas de post-producción. Lugares mágicos en que las películas empiezan a tomar forma y donde el director tiene la oportunidad de otorgar la configuración definitiva al film en colaboración con los montadores y mezcladores de sonido. Incluso, si tienes suerte, puedes coincidir, caminando por las calles del estudio, con Will Smith o Adam Sandler, cuyas oficinas están situadas dentro del complejo.

Pero no se permiten hacer fotografías salvo en una ubicación muy concreta. En el siguiente artículo veréis dos coches de cine, bastante emblemáticos, que se exhiben dentro de esta factoría en la que las ideas no paran de fluir.